Cortometraje "La cerca".

Abriendo los ojos para adentro

Contextualizándonos se da la primera escena, en la cual la necesidad de un país donde todos los días no se puede comer carne, es el pretexto detonante de una primera situación ligada a la violencia.

Una madre víctima y desdibujada configura la unión de un presente y pasado, donde los nuevos tiempos aún deben honrar memorias de difuntos y antiguas palabras para buscar la redención; sátiras constantes de un hijo a un padre que carga la sombra del hombre verraco y el peso de sus acciones donde recordar es morir.

Panorámicas naturales y construcciones propias de una tradición represiva e imponente son el escenario de esta historia donde se alcanza a percibir la nostalgia que evocan tiempos pasados que no son mejor de lo que es ahora, sino que, por el contrario, se ven como fragmentos de espejos que confunden la realidad con lo onírico, donde el protagonista tiene que pellizcar sus manos constantemente para saber si está en el sueño o es la realidad.

Sueños que no se ven en blanco y negro ni con atmosferas trabajadas por edición, sino que se ven con la misma claridad a las escenas que la suceden y hacen parte de este cortometraje,  donde los silencios de fondo potencian la tensión   y   los solos de guitarra armonizan la calma que precede los deseos de Francisco de cortar con esencia del trauma y, a  la vez condensarlo en una acción violenta ,abriendo los ojos para dentro reflexiono en la dualidad del bien y el mal y la necesidad de la sociedad de tener un adentro y un afuera; e inherentemente me identifico con el protagonista dentro de una Colombia que no ha cambiado desde la guerra de los mil días ,donde los padres de la nación corruptos y autoritarios  han dividido al pueblo cual potrero en una finca y ahora en el posconflicto buscan la redención a través del perdón y olvido.

Jose Jimenez Cruz
Grupo los Tres Chiflados.

(corte 2)¿Ciudadano Kane una lección de vida?- Steban Gómez Cañón

Ciudadano Kane rompió todos los estándares del cine en su época, por esta película el medio tuvo un gran avance que es reflejado hasta hoy en día; por esto se le considera como una obra maestra de la cinematografía a pesar de ser una película blanco y negro la cual nos enseña diferentes lecciones de vida en un momento de la humanidad que aún podemos tomas como referencia.

La cinta toma dos elementos que capturan a los espectadores como lo llegan a ser el amor y la guerra llevándolo al séptimo arte como una historia de amor que acontece en la época de la segunda guerra mundial, teniendo un montaje escénico excelente una gran narrativa y saber llevar los problemas humanos que acontecen a lo largo del film.

La fotografía de la película fue sublime para esta gran película llegando a superar algunas de la actualidad logrando enfoques que eran difíciles para la época con un gran manejo de luz y sombra de varias escenas de la película puliendo toda la película para evitar errores en las escenas, en general la ambientación de la película fue de un gran nivel desde la música que encajaba perfectamente con el contexto de la historia y los escenarios que dejaba asombrados a las personas.

La película tiene el derecho de considerarse una obra maestra por lo interesante de esta en la cual podemos aprender puntos importantes para nuestras vidas y para escoger nuestra profesión y que algunas personas por llegar a sus metas van a pasar por encima de los demás sin impórtales las consecuencias de sus actos.

Steban Gómez Cañón

(corte 2) Reseña Nosferatu- F. W. Murnau- Steban Gómez Cañón

Esta obra fue La primera incursión cinematográfica que adecuaba la historia del famoso vampiro Drácula, de la gran novela de Bram Stoker, este libro fue tan importante que hoy en día parece ser la única novela del autor que continúa siendo leída actualmente.

Nosferatu, fue el nombre que le pusieron a este film para evitar problemas con los derechos de autor de este famoso libro, a pesar de esto Florence Stoker, la viuda del famoso escritor, les llevó a juicio y ganó el caso, gracias a esto fueron destruidas varias copias de esta película.

Drácula de una u otra forma siempre seguirá vivo, ya que por su temática tan peculiar ahora se le considera una joya, además de esto, siempre vendrán nuevas generaciones y podría ser el caso que les interese esta historia en particular ya que en la actualidad se ha dañado mucho el concepto de vampiros.

En la actualidad las películas de este estilo ya no son tan interesantes, sabemos que a lo largo de los años han cambiado los gustos, pero la temática que utilizan en estos films generalmente es muy repetitiva (no en todos los casos claro está) a mi parecer la película esta muy bien elaborada ya que tanto el escenario como los efectos y personajes le dan un toque único, por esto se le considera un clásico del cine de terror y a mi parecer es bastante interesante.

Este film a pesar de ser una de tantas películas mudas, nos atrapa enseguida, porque como lo mencione antes, la trama y los efectos que llegan a recrear por medio de sombras lo hacen tan especial, como todas las obras de este género, nos dan una sensación de suspenso la cual a lo largo de la película nos sumerge más en la historia y nos mantiene con una intriga de que hará luego este esté vampiro (Orlock).

Este film es una de las tantas obras del expresionismo alemán, movimiento que se caracterizado con obras como “El Gabinete del Doctor Caligari”.

Hablando un poco del gabinete del doctor Caligari podemos recalcar que, aunque los colores que en ella implementan no son muy agradables a la vista, tenemos que recordar la época en que se desarrolló esta obra, además sin desmeritar el trabajo que en ella aplican porque a mi gusto la película es interesante.

Esta película también es un film mudo de terror estrenada en 1920, a esta se le considerada la obra por excelencia del cine expresionista alemán, cuenta la historia de un loco hipnotista (Werner que usa a un sonámbulo para cometer asesinatos.

 Steban Gómez Cañón 

(corte 2) metrópolis una mirada distinta a la realidad - Steban Gómez Cañón

Metrópolis una mirada distinta a la realidad 

Una sociedad en crisis, un paralelo entre clases sociales muy marcado y una ciudad futurista es con lo que se da inicio a esta increíble cinta, “Metrópolis”, una producción cinematográfica dirigida por Fritz Lang en el año de 1927 con un contexto histórico ubicado en 2026, es quizá este el mejor inicio de una historia que sería la encargada de transportar a los espectadores a una nueva realidad en la que se transforma y se tiene una visión de lo que sería el mundo unos años después.   

Una sociedad en decadencia y el progreso científico constante que se va dando a través de los años fue en lo que se inspiró Thea Von Harbou para realizar el guion de esta increíble y prometedora historia, una obra que haría parte de las grandes producciones que fueron cumbre del expresionismo alemán y que fijaron su foco en hacer escenas con un sentido verosímil a partir de una estructura aristotélica, divida en tres actos y contando con dos puntos de giro muy marcados que darían el sentido a la historia junto con las distintas tramas que se mantienen y evidencian durante casi todo el film, tramas que estaban ligadas completamente a realizar una comparación entre dos distintas clases sociales, una dominante y autoritaria, en la que Johan Fredersen sería la expresión máxima del ser superior y otra que estaba al servicio de máquinas, la clase trabajadora y obrera, en la que María, una joven rodeada de niños, estaría ubicada; durante el desarrollo de la historia se ve como el personaje principal, Freder, hijo de Johan, conoce a María y es ella quien muestra la cruda realidad de una clase baja que esta mecanizada debido a el trabajo intenso y la monotonía en sus días. Aunque la historia es uno de los puntos, quizá, mas importantes, el montaje y las escenas forman parte significativa de esta producción debido a que a partir de allí se pretendía construir un relato y un sentido al hilo y desarrollo de la historia.

Más que una película de simple entretenimiento se ve el trasfondo de crítica social, mostrando sin ningún tipo de censura como las clases sociales funcionan, mientras los más poderosos reinan y disfrutan de todo aquello que tienen, lo de la clase obrera deben trabajar sin importar su estado físico, mantener su trabajo para sobrevivir un día más en una sociedad preocupada por el crecimiento y no por las personas, ya que aquellos que gobiernan lo tienen todo y aun así desean más.

Steban Gómez Cañón  

Cuidadano Kane - Innovación hecha película.

Ciudadano Kane, estrenada en 1941 es un largometraje considerado, aun ahora, como la película mas importante de todos los tiempos, una obra maestra. Pero ¿que tiene esta película para ser tan aclamada?. Ciudadano Kane nos cuenta la historia de Charles Foster Kane, personaje basado en William Randolph Hearst, una magnate que dirigía la prensa en estados unidos en esa época, siendo este el mas grande problema que su director, guionista, productor y actor principal de la película, Olson Welles podía enfrentarse, ya que para dicho magnate no fue de mucho agrado esa referencia.


Chales Foster Kane, un magnate de la prensa en Estados Unidos, que no buscaba mas que crear su propia verdad tratando de imponer ideas a su audiencia, con el simple motivo de demostrar que el puede hacerlo. El no se limitaba a informar, si no que el creaba la realidad. Durante el largometraje nos muestran el ascenso que tuvo Kane hasta llegar a su cumbre, en donde trato de introducir en el mercado de la opera a su mujer, sin tener ningún talento alguno para este. Siendo acá el primer punto resaltar del film, su guion, contando de gran originalidad y minuciosidad a sus lazos narrativos siendo bastante complejo, pero a la veces llevado con gran fluidez.

Pero para mi, el punto mas alto de esta película, es la innovación en el ámbito visual, su composición, montaje y su iluminación fueron bastantes avanzados entorno a la época en que se realizo, el lograr la profundidad de campo en los planos de la película fue un avance bastante significativo para el cine en general, llegando a causar sentimientos dividos, ya que también recibió mucha criticas por ser tan diferente al cine de su época, por romper tantos estándares, el cuidado que se nota en cada escena para llevar una composición correcta y la armonía que hoy en día es vital en el cine, los movimientos de cámara y los ángulos en los que se usaban fueron maravilloso, y sin dejar de lado su asombrosa banda sonara, Ciudadano Kane rompió todos los estándares e hizo que el cine mostrar un avance significativo.

Dog's Life - La naturaleza animal del hombre.

En esta historia de Charlot, el famoso vagabundo de Charles Chaplin, se nos muestra la analogía entre la vida de un perro callejero y la de un vagabundo, dos seres totalmente distintos, con una vida muy similar en donde la supervivencia es principal meta de que cada día, la búsqueda comida, el rechazo de aquellos que de manera económica son superiores a ti, y lo difícil que alcanzar un ritmo de vida natural. En el transcurso del cortometraje Charlot y Scraps, se encuentra y empieza llevar su vida, aunque igual de miserable con una buena compañía, Charlot empieza a cuidar y mantener a Scraps, dándole el cariño que ninguna persona le había dado, y por esto Scraps se convierte en su fiel compañero.

Cada cortometraje de Chaplin tiene algo que se queda en la mente sus espectadores, pudiendo ser una escena, algún buen chiste, o simplemente su estética tan propia, pero para mi en esta ocasión, es la manera en que Chaplin recrea lo mejor y lo peor de la naturaleza humana, de la cual hace una muy buena critica y entre sus lineas un poco de burla. Es muy evidente como entre mas dinero tiene la gente, mas banal y superficial se vuelven, entre este tipo de personas se pueden ver aspectos como el hurto, el maltrato, la infidelidad, y el engaño, como una gran multitud se mueve al son del dinero y los placeres que este otorga, pero al otro extremo, están Charlot y Scraps, que se ven en situaciones de extrema pobreza, pero son tan unidos y fieles el uno al otro, al punto de que al dormir uno es la almohada del otro, siendo esta la escena la mejor escena para mi gusto. Concluyendo con el choque de estas dos formas de vida y mostrando la manera en que nuestros dos protagonistas actúan ante esto.

Con un sutil uso de intertitulos, un buen movimiento de cámara y una banda sonora, que aunque algo repetitiva a mi forma ver, hacen que el cortometraje sea muy divertido y fácilmente entendible hoy en día, combinando de manera perfecta la critica y el humor, haciendo que el espectador entienda la posición del autor, entienda su critica, pero que a la ves se divierta. Siendo esta la esencia de Charles Chaplin.

Ladrón De Bicicletas, La Realidad Tras Las Ruedas

El Ladrón De Bicicletas es una película del director Vittorio De Sica la cual corresponde al movimiento cultural que se dio en Italia en 1948 llamado El Neorrealismo. Así  esta película se caracteriza por mostrar la realidad que el protagonista estaba viviendo en esta época, tratando temas como el desempleo, la pobreza, la lucha por sobrevivir y sobre todo, la vivencia de los  valores humanos.

La historia es narrada desde una época desfavorable  ya que Italia se encuentra  arruinada por la posguerra.  El protagonista se llama Antonio, es  un obrero que tras una larga espera para conseguir trabajo, al fin  logra obtener uno como fijador de carteles; la única condición era tener una bicicleta.

Pero preciso, la bicicleta tuvo que empeñarla por necesidad.  Su esposa María; quien le ayuda incondicionalmente, decide vender las sabanas (la mayoría usadas) para poder así recuperar la bicicleta y que Antonio pudiera obtener el trabajo. No todo en la vida  es perfecto, el primer día de trabajo le roban la bicicleta; aquí es donde comienza el verdadero problema por tratar de recuperarla, ya que podemos comenzar a ver los escenarios más a profundidad, a conocer cómo se veían las calles, cómo era el transporte y a conocer un poco de las costumbres que tenía la sociedad. También el director nos muestra un poco de cómo Vivían las personas que tenían más recursos.

Es raro no ver finales felices, ya que la mayoría de personas va al cine o ve películas para intentar alejarse de la realidad; La intención del director de esta película, es mostrar que la realidad no es perfecta, no es justa, ni tampoco color de rosa;  vivimos en un mundo donde la injusticia domina y está por encima de los valores. Las necesidades de cada ser humano  lo pueden llevar a cometer hasta el peor de los crímenes.

Vittorio nos quiere mostrar que el ser humano puede perder sus valores con tal de sobrevivir o cubrir sus necesidades básicas como lo es el alimento, la vivienda y la salud; Nuestro protagonista, que durante  toda la película se muestra como una persona humilde, que quiere recuperar lo que le pertenece de la mejor manera. Al final por la desesperación de pensar en  volver hacer parte de los desempleados y sin poder llevar un sustento a su hogar,  decide ir en contra de sus principios robando una bicicleta; pero lo más triste de esto es como su hijo que lo veía como un ejemplo a seguir, lo ve después de cometido el ilícito con ojos de decepción y tristeza.

Como dice la frase de Jacques Rousseau “El hombre nace bueno y la sociedad lo corrompe”, es una buena frase para esta película, ya que a causa de la necesidad vamos haciendo cosas que van en contra de los valores y principios humanos; hoy en día se ven casos que por hurtar,  atentan contra la vida de alguien. La realidad en la que vivimos no es algo que nos gustaría ver, nos duele verla, por eso esta película genera un sentimiento de tristeza y más al ver que no podemos hacer nada, somos unos simples espectadores de una realidad vivida y que sigue ocurriendo hoy en día.