Steban Gómez Cañón

Sé que a los amantes de la fantasía nos hemos topado por lo menos una vez con alguna adaptación del clásico de Lewis Carroll, Alicia en el país de las maravillas, es una de esas obras literarias que admite todo tipo de interpretaciones, desde blancas historias hasta alucinantes composiciones musicales.

En esta ocasión es la magia del stop-motion realizada por el checo Jan Svankmajer, quien aprovechó este cuento para desarrollar su primer largometraje tras varios años exponiendo sus creaciones. Un fiel amante de lo recursivo, capaz de crear nuevas realidades con sus ideas, jugando con la morfología y con un característico toque en el movimiento de sus creaciones, dándole vida a cualquier pieza inanimada para expresar todo tipo de emociones.

Lo cierto es que esta  adaptación de Jan le favorece porque es un territorio muy amplio para que él pueda sorprendernos con su estilo, atrae mucho la forma en que recrea a los animales con ese aire oscuro  casi a primera vista como si todo fuera hacia el caos y  el terror, pero con el tiempo es la habilidad de la pequeña protagonista la que demuestra que para los infantes no hay miedo o extrañeza ante lo desconocido, sin un referente mayor  que le induzca a ese temor. La película avanza se siente y se vuelve reconocibles todos los escenarios del cuento original, pero con el  punto de partida es inventar un nuevo mundo en el que cada detalle desemboca en un enriquecedor escenario que da vida a todos los objetos inanimados que enmarca la pantalla.

En esta ocasión hay seres vivos, dos conceptos de Alicia, cráneos con ojos saltones  y frascos de mermelada con tachuelas en su interior. El resto simplemente simula todo aquello que creó Carroll en su juventud. El director siempre se sirve de objetos, huesos y algunos pedazos de carne para darle vida a sus películas., algunos se auto-construyen en el momento para esfumarse en la nada, dando una dignidad única al creador por su paciencia en un trabajo de horas que se evapora en segundos en pantalla.

Steban Gómez Cañón 

SURREALISMO PRIVATIVO

SURREALISMO PRIVATIVO

Alicia es un film transformado y dirigido cinematográficamente  por Jan Svankmajer inspirada en la novela “Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas” Esta fantástica e inquietante historia empieza cuando Alicia está en su habitación y de repente un conejo disecado retoma a la vida y huye rompiendo un cristal en el que yacía. La curiosa Alicia se toma a la aventura de perseguir el inquietante conejo,  su curiosidad la llevo hasta un inmenso montículo rocoso en donde está un escritorio con cajones, su capricho de encontrar el conejo blanco no acaba ahí, decidiendo entrar en uno de los cajones del escritorio que la lleva a una guarida oscura en donde su angustioso fisgoneo la envuelven en una aventura mágica envuelta de maravillas inquietantes que solo podrían encontrarse en lo más subjetivo de nuestros pensamientos.

Una fantástica historia basada en un eje sub-real, con pensamientos simbólicos  narra una historia poco real y coherente que nos adhiere más como espectadores y nos invita a ver de una forma muy diferente las cosas, nos trazan un camino el cual nos hace creer que no todo pensamiento absurdo o fantasía maravillosa se crea y se comparte en nuestros sueños. Un lugar mítico de perfecciones extraordinarias fiel acompañante de una historia alusiva a la vida y encabezada por un tiempo de venturas y casualidades que solo son dignas pensamientos libres y exóticos.

En mi concepto es una fantástica historia que debe seguir creciendo y avanzando a las futuras generaciones como una muy emotiva invitación a soñar y fantasear en nuestro  propio mundo, un pensamiento privado que solo compartimos con nuestros sueños más grandes, con nuestras alegrías y riquezas que nos hacer plantear e imaginar un mundo de maravillas en el que el tiempo y la suerte son nuestros más fieles seguidores.

Nicolás Sánchez

Cristiani y su gran rol en la historia.

Cristiani y su gran rol en la historia.

Cristiani, un caricaturista y director de animación italiano, nacionalizado en
Argentina del cual poco se habla, se conoce, pero su trabajo fue tan grande e
importante, que estuvo en los ojos de Walter Disney.
Quien podría imaginar que un residente latinoamericano fuera quien hiciera los 2
primeros largometrajes de animación y quien hizo el primer largometraje de
animación sonoro, tuvo que pasar por demasiadas cosas para llegar a crear estas
asombrosas piezas de las cuales lastimosamente solo queda una pieza que no fue
totalmente de su propia autoría.
Este comenzó haciendo caricaturas para la sección de entretenimiento de un
periódico local, con el pasar del tiempo comenzó a verse interesado en hacer
cortometrajes de su autoría, con una fundamentación bastante critica de la
situación sociopolítica de su país de residencia en ese momento.
Tenían un estilo muy peculiar, y una forma muy particular para hacer sus
personajes, eran recortes de personas, los cuales comenzó a articular para así
minimizar la cantidad de estos y poderles dar una movilidad propia y que fuese
más fácil el proceso de crear una animación.
Quirino paso por demasiadas cosas las cuales hacen en la actualidad casi
imposible poder encontrar algún archivo o registro de su trabajo, el cual es tan
importante y clave para la historia de la animación. Hacer una competencia contra
otros países (como estados Unidos, con Disney) era algo hasta absurdo de
pensar, los avances tecnológicos que se tenían en esa parte del mundo eran
mucho mas grandes, y para ellos era mucho más fácil poder elaborar una
animación, mientras Cristiani seguía dibujando cuadro a cuadro totalmente, Disney
ya poseía la manera de hacerlo con acetatos y así no tener que redibujar todo un
escenario si no simplemente un fragmento de este. Era frustrante llegar a competir
con el gran monstruo que era Disney.
Solo queda un registro de una de sus ultimas obras llamada el mono relojero,
lanzada en el año 1938, antes de este, hubo al menos una decena de
animaciones hechas por este personaje, mientras que Disney hasta este mismo
año, estaba lanzando su primer clásico: blanca nieves y los siete enanitos, es muy
curioso ver la similitud en la forma de los dibujos estos 2 a pesar de la gran
distancia de sus países, el tiempo el cual llevaban trabajando y el contexto en el
que estaban.
Al momento de que Disney quizo hacer el lanzamiento de su obra “fantasía” en
Argentina, Walter sabia de la existencia de Cristiani, quizo conocerlo y también le
ofreció trabajo en Disney, pero a esta gran oferta, la rechazo, prefirió seguir con su
estudio propio el cual había construido con tanto esfuerzo.
Como imaginar que Walter Disney hubiera querido reclutar a una persona de tan

lejos y este le hubiese rechazado, si lo pensamos un poco, ¿quien podría ser más
“grande” entre los dos?.

Autor: Andrés Felipe Rojas González.

THE ISLE OF PINGO PONGO ¿VICTIMA O VICTIMARIA?

Un corto animado de la Warner Brothers, presuntamente prohibida por su contenido altamente racista, nos muestra a manera de documental una isla paradisíaca, sus especies y sus tribus nativas. Todo esto lo hace un toque humorístico que a leguas se reconoce como el de la Warner. Y en eso nos centraremos en esta reseña, de cómo a pesar de las distintas condiciones socio económicas pueden variar con la época, cuando se tiene una identidad bien definida se puede sobrevivir en un mercado crecientemente competitivo, y una industria tan difícil como lo es la animación a través del tiempo.

Primero quisiera hablar del por qué esta animación fue prohibida, supuestamente por su contenido racista, del cual se dice que representa a la raza negra como inferior en todo sentido, desde la manera en que fueron dibujados como a algunos comportamientos. Y es que aunque estas críticas tienen su punto, en mi opinión son un poco exageradas. Sí, para algunos las personas negras en este corto son muy similares a los simios, y sí, en algún momento de la animación muestran como uno come una banana, lo que para algunos puede ser una descarada muestra de cómo se percibía el problema de raza que hubo en la época.

Pero no nos podemos quedar ahí, también hay que observar los comportamientos occidentales, y si se quiere blancos, que los isleños adoptan a lo largo de toda la caricatura, no solo ciertos frames, y es para mí eso vale más que las pocas indirectas que se presentan en la animación. Tenemos que entender que el cartoon pertenece a una época difícil por la segregación de raza, y esto no es culpa del director Tex Avery, además a mi parecer es más lo que se incluye a la raza negra en la animación, que de hecho son el centro de la misma, que lo que se remarca el racismo de la época.

Todo lo anterior, mostrando ya una firme y bien definida identidad, que han mantenido por años, ya que incluso sin ver el intro, es muy probable que se entienda que es un cartoon de la Warner, cosa que aplaudo, ya que es muy complejo y difícil no solo definir una identidad, sino mantenerse fiel a ella a través del tiempo.

Sin dudas un cartoon de calidad, teniendo en cuenta su año de creación (1938). Mantiene un sentido humorístico distintivo y disfrutable, que si se ve con la mente un poco más abierta, se puede apreciar una gran pieza de animación, injustamente prohibida.

Si deseas verla, la puedes encontrar en el siguiente link, cortesía de dialymotion.

http://www.dailymotion.com/video/x2m9s8s

VEREDICTO: VICTIMA DE SU ÉPOCA

Can’t stop the motion.

Can’t stop the motion.

En 1906, seis años depues de haber creado “The Enchanted Drawing”, J. Stuart Blackton realiza “Humorous Phases of Funny Faces”, primera película hecha con stop motion en la que se puede ver la mano del artista dibujando monton de rostros y figuras que empiezan a moverse.

La técnica del stop-motion es considerada como la técnica de animación más antigua de todas, y sigue siendo muy utilizada en publicidad, series, videos, y sobre todo en el cine, esta sucesión de imágenes fijas, capturas sucesivas que aparentan un objeto moviéndose, pueden lograrse solamente con muchas tomas de fotos de una cámara y un editor de video.

En su tiempo este método, el stop motion, usado anteriormente en sitios web dedicados a compartir videos, como Youtube, y su tan conocido Draw My Lyfe, en donde Youtubers y paginas realizaban esta clase de videos para contar su historia de una manera entretenida y única; esta película se basa en ello, muestra por medio del movimiento que pudo parecer un acto de magia en ese entonces para todo espectador que lo viera, narra su propia historia, cada trazo realizado por el artista no es solo una simple línea, es una cadena de movimientos que cuadro a cuadro nos está mostrando algo, y es que el público actual pierde su tiempo observando otras cosas, cuando en el gran esquema de las cosas hay mucho más que podemos ver y poner nuestra atención también, como lo es este corto.

Seguramente habrá causado un gran impacto en el comienzo de los 90, este film que aunque es ya más de 100 años antiguo, sigue siendo realmente asombroso, con esa gran idea de  Blackton de darle vida propia por si sola a sus dibujos, lo cual requirió de mucho trabajo manual, procedimiento artístico que requiere de mucha paciencia y tiempo, logro crear sketches de iluminación para este cartoon.

Recomiendo muchísimo ver este filme, que no solo muestra como una producción que al dia de hoy parece muy simple,  fue el primero de los efectos especiales tempranos en la historia del cine, y nos da a entender de como es que en grandes estudios cinematográficos, como Pixar, el espectacular trabajo que realizan, debe de comenzar desde un inicio, que va mejorando película a película, hasta lo que conocemos hoy en dia.

Creo que  es importante que todos debamos entender los humildes y simples comienzos de las películas de animación.

Autor: Nicolas Torres Echeverry

El mono relojero: a traves del tiempo

El mono relojero es un cortometraje de animación desarrollado en el año 1938, el cual fue dirigido por el artista Quirino Cristiani, uno de los primeros desarrollos de la animación con sonido implementado que existía durante esa época. En esta animación el protagonista es un mono, al que le gusta molestar los relojes, simulando que los arregla de verdad, sin duda un tema bastante humorístico, capaz de llegar a las diferentes edades cuando se inició su reproducción en salas de cine, sin mencionar que era un gran trabajo y algo nuevo en la época, generando un gran éxito para Cristiani y su estudio, y a la sociedad dejando uno de los primeros desarrollos en la empresa de la animación.



Una gran producción si tomamos en cuenta la fecha en la que se realizó, debido a que en aquella época no se contaban con las grandes maquinarias y tecnologías que tenemos en la actualidad, las cuales son utilizadas por los artistas hoy en día en sus obras, y es que se puede evidenciar como se ha avanzado en las técnicas de la animación, sin mencionar que las nuevas tecnologías permiten a los artistas darles a sus obras una mayor calidad con cada año que pasa.



El mono relojero es una gran producción y aunque para la sociedad actual, ya le parece algo anticuado, podemos compararlo con los nuevos desarrollos que hay en la industria, teniendo en cuenta producciones como las caricaturas, las grandes películas de animación, que en un inicio fueron en 2D, y hoy en día las animaciones tienen un estándar de desarrollo en la tecnología 3D, y la animación seguirá modificándose y evolucionando con el paso de los años, siendo así que para una futura generación, las animaciones que nos marcaron a nosotros, serán anticuadas para ellos, y es aquí donde se destacaran las obras que marcan un antes y un después en el tiempo, la obra de Quirino es sin duda alguna de esas obras, que sin importar el tiempo que pase, seguirá marcando un punto decisivo en el desarrollo de la animación.

Autor: Hector David Ruiz Duque

Otik, Un problema con raíces

Little Otik es una película escrita y dirigida por Jan Svankmajer la cual está basada en un libro checo de Karel Jaromir.

Esta película nos cuenta una historia sobre una pareja que por problemas de infertilidad, deciden cortar un pedazo de tronco en forma de bebe y tomarlo como hijo, haciendo que este cobre vida a causa de la obsesión que su “madre” llega a tener por darle los cuidados que se le darían a un hijo de verdad. Aunque la trama sea realmente algo sencillo como lo es plantear que un bebé se llegue a comer todo a su paso, tiene mucho significado detrás; no solo el que le da el director Jan Svankmajer, sino también como lo pueda ver el espectador. Svankmajer crea un mundo donde los objetos inertes cobran vida teniendo personalidad y resaltando las ansias de comer del hombre primitivo; aunque si bien tienen algunas  características realistas de lo que hoy  día es un bebé (Como lo es: no poder hablar, recurrir al llanto cuando se necesita algo, no ser consiente de muchas acciones que realiza, etc..) solo que lo lleva a algo más macabro.

Svankmajer busca romper con la visión racionalista de la realidad, bajo unas metáforas simbolizadas por criaturas fantásticas, en este caso Otik.

Ahora,  hablando desde el  punto de vista del espectador, se podría comenzar pensando desde el umbral de la “Locura”,  ya que se puede pensar: “Que gente tan loca, como van a cortar un pedazo de madera y simular que es un niño de verdad, ni que fuera la historia de pinocho”, pero en cambio sí existen personas que les emociona la idea de ver como mutilan a otras. ¿Por qué no han de existir personas que quieran a un pedazo de madera como hijo? Aunque si bien,  no todos los que vean el corto conocerán casos más extremos o más locos, entonces se quedaran con la idea de que la historia parte de una pareja que está loca; pero avanzando en la historia lo que realmente nos llama la atención o bien nos podría llegar a aterrorizar, es la idea que el pedazo de madera cobre vida y comience a comerse todo, incluso personas. Pero hay algo que nos podría sorprender aún más, es el hecho de que la niña, otro personajes de la película ve esta situación como algo normal y ayuda a que este “monstruo” para que pueda seguir viviendo proporcionándole comida, he incluso ayudándole con el higiene.

Al parecer la niña lo único que le importa es que Otik siga viviendo, por ello no le importaría sacrificar a sus padres como alimento para este “Monstruo”. Pero ¿Por qué a la niña no le importaban sus padres?, ¿Otik significaba algo más para ella que sus padres?, ¿O bien cree que esta medita en un cuento?, esta clase de preguntas comienzan a surgir por el método que ella utiliza para decidir quién será el almuerzo de Otik, siendo algo muy aleatorio con unos cuantos fósforos, pero en estas opciones incluía a sus padres.

Para concluir diré que es una historia bastante interesante, que da para analizar desde varios puntos de vista; la verdad yo lo veía por el lado de la política siendo el estado representado por Otik, por el hecho de que el estado es lo que es gracias a nosotros, las personas le damos el poder al estado; lo cual se vería en la manera que Otik gana superioridad al consumir grandes cantidades de personas simbolizando su alimento que equivaldría al erario público producto de los impuestos que pagamos todos, es decir sin las personas que Otik utilizaba como alimento, ese monstro que a todos les daba miedo enfrentar no existiría.