FANTASENADO BAJO TORMENTAS. 2.CORTE

FANTASENADO BAJO TORMENTAS.

Las intenciones de las películas se basan en reflejar o imaginar   de distintas maneras la perspectiva de  algo que nosotros llamamos “mundo” El expresionismo alemán bajo tiempos de posguerra creo un rechazo al impresionismo y el positivismo lo cual conllevo a una nueva invención  muy distinta y anormal forma de ver el mundo. El Gabinete del doctor Caligari es un film mudo creado en 1920 por Robert Wiene, película que es considerada como la primera cinta expresionista de la Historia. El film es narrado bajo  una manera muy simbólica y creativa. La historia es contada por Francis, un ciudadano que investiga las muertes de su localidad asociadas con un sonámbulo  y el amo el Dr. Caligari.  Tiempo después su pareja Jane es secuestrada por Cesare (el sonámbulo) que al ser descubierto  huye y muere en una caída, en donde Caligari intenta huir y es seguido por Francis hasta un hospital mental en el cual es director, en  su oficina descubren libros que reflejan su obsesión con una historia antigua de un hombre que usaba un sonámbulo para asesinar personas, cuando Caligari regresa es capturado e ingresado a su propio hospital como paciente en donde un sinnúmero de acontecimientos anormales empiezan a suceder.

Esta gran narración tiene un gran valor simbólico en detalles tales como el Dr.  Caligari que resulta simbolizar el estado Alemán y como este tenía el poder de persuasión sobre un pueblo dormido (sonámbulo) para poner en marcha sus planes, además  del vestuario, los planos, y el escenario refleja el mensaje de la obra, diferencias en los personajes a raíz de su vestuario como lo podemos ver con Cesare y Jane. Cesare quien comete los asesinatos viste de color negro simbolizando la oscuridad, maldad y muerte mientas que Jane muestra un lado más humano y bondadoso es vestida de un color blanco, detalles en cuanto a maquillaje de Cesare el cual luce unas sombras en el contorno de sus ojos que hablan del problema  al no tener una  visión clara de lo que lo rodea, en fin  son maquillajes   característico de este movimiento, utilizan planos de cámara estáticos  dando una visión completa de lo que sucede, escenarios distorsionados y desordenados como el sentido de la moral de Cagliari y Cesare y por ultimo podemos ver como el lenguaje visual y el expresionismo de los actores nos proyectan una idea más clara de lo que pasa, un film que utiliza todos los recursos cinematográficos que tenían en ese entonces a su disposición  como los son el escenario, vestuario y maquillaje que destacándolos con viñetas oscuras produciendo un primer plano.

Simbolismo y creatividad en tiempos en los cuales las personas no soñaban ni dormidas, una historia a normal pero en cuanto a su significado no se despega de ha mucho con nuestra  realidad actual, es una cinta que en mi concepto me cautivo por su simbolismo y creatividad que en esa época un pensamiento diferente y tan radicales de admirar.

ESCRITA POR:

                     Diego Nicolás Sánchez 

NATURALISMO DIRECTO. 2.CORTE

                                               NATURALISMO DIRECTO

Ladrón de Bicicletas  película italiana de  1948 dirigida por Vittorio de Sica en la que se es narrada la historia de Antonio un hombre desempleado en plena posguerra la cual causo una gran depresión económica a él cual  se le presenta  una oportunidad de trabajo, pero necesita de la bicicleta que el había empeñado con anterioridad  debido a las carencias económicas por las  que el hogar estaba pasando, para recuperarla su bicicleta la  esposa de Antonio empeña las sabanas, un detalle que logra  evidenciar un notable nivel  de pobreza, con tan gran acto de amor por parte de la esposa las  esperanzas de Antonio regresan, pero el  aún sabe  que su situación no cambiara por completo pero sí que amortiguara un poco los problemas que lo rodean, es así que Antonio es contratado y  consigue su primer día de trabajo  que consiste en pegar carteles propagandísticos y sin saberlo en su primer jornada laboral ocurre el inicio de su des venturosa odisea que vive en  compañía de su hijo.

Un film que denota  el bajo nivel de presupuesto en la producción  y la utilización de escenarios reales, rodajes en exteriores con iluminación natural con tomas de cámara con ángulos a nivel de los ojos  con una importante  presencia de actores no profesionales, guionistas que producen  una historia basada en hechos de carácter cotidiano  que dan a entender  el afán de la sociedad  que   vive bajo la amenaza de miseria que causa la falta de trabajo, una historia que da a entender el que el  trabajar sirve para conservar la dignidad del hombre y el derecho mínimo a la felicidad y amor, son elementos que convierten a los protagonistas en actores con un gran detalle de realismo,  naturalidad humana y una realidad de una Italia  después de la segunda guerra mundial que es fiel acompañante de una historia dramática  en el que el ser humano está rodeada en una selva de cemento

En mi concepto compruebo que esta película es un claro ejemplo del neorrealismo italiano, un detalle preciso de esta historia es el protagonista que refleja la naturalidad humana con una gran puntualización  de sus gestos comprobando la visión del director en buscar personajes no profesionales para así proyectar una visión de carácter mucho más realista  además que es un film cargado de críticas en contra de la justicia, la diferencia de clases sociales, la religión y hasta la traición de los principios de cada persona en beneficio del bien común, un gran relato   que hace de esta película una proyección de una objetividad directa y precisa sin censuras y cohibiciones. 

ESCRITA POR:

                    Diego Nicolás Sánchez

PROBLEMAS PARA DOS. 2 CORTE.

PROBLEMAS PARA DOS.

La comedia, una gran forma de ver y concebir  el mundo en un formato   dramático   opuesto a la tragedia cargada de humor y un final feliz. Vida de perro, es un mediometraje mudo de 1918 con dirección y actuación de charles Chaplin que narra la historia de Charlot un vagabundo que roba comida para subsistir  y en su afán de sobrevivir intenta conseguir trabajo, pero fracasa, aunque llego primero,  en varias ocasiones se le es robada posición en la fila. Más tarde derrotado y frustrado se encuentra con (Scraps) un perro que es perseguido por otros perros hambrientos, y es ahí donde Charlot decide intervenir en la pelea y salvar al pobre perro que se convierte en su amigo el cual  proyecta la  misma problemática que el protagonista, ambos personajes son  embarcados  a vivir muchas aventuras graciosas e inesperadas  en un entorno muy triste para los dos, un nivel de pobreza  vista desde dos vidas que se ayudan de la  una a la otra.

En este film se logra evidenciar una escenografía correcta, con ambientaciones cotidianas y normales, con actores cargados de bastante expresionismo corporal que ayuda bastante   en la narración de la historia, un formato de tonos a blanco y negro que en mi concepto le da un toque mucho más artístico, el sonido hecho por Chaplin es la excepción porque no logra expresar correctamente las situaciones. Un detalle que hace esta historia más llamativa y armoniosa  fue el haber escogido un perro  callejero de raza “criolla” para reflejar la problemática de Charlot y así ver dos mundos diferentes bajo el mismo enigma.

En mi opinión esta historia resulta ser un gran film que denota la idea Chaplin de narrar una problemática social de una forma más jocosa y alegre, que nos libera del pensamiento de tristeza al estar bajo problemas tanto personales como económicos y nos invita a ser felices con poco y en este caso con un animalito que vive la misma odisea que el protagonista,  pero que desde que se conocieron con Charlot,  la similitud de ambas  pobrezas les crea una fraternidad del uno para el otro.

ESCRITO POR:

                      Diego Nicolás Sánchez

Pinamar: Ciudad de sentimientos 2 CORTE

Pinamar: Ciudad de sentimientos 

Pinamar es una película argentina dirigida por Federico Godfrid. La cual nos relata la historia de dos hermanos (pablo y miguel), los cuales regresan a la ciudad con el mismo nombre luego de la muerte de su madre, con el fin dar un último adiós, arrojar las cenizas de la madre al mar y vender un apartamento familiar. En su estancia los dos hermanos se encuentran con Laura una antigua amiga de miguel que los hará reconcentrarse con su pasado y volver a recuperar la relación que con el paso del tiempo habían perdido.

Pinamar nos muestra que no es necesario una historia súper detallada ni millones en efectos especiales para relatar una gran historia, a pesar de tener un presupuesto muy limitado el director se basta con unos personajes bien elaborados en un universo realista y una locación hermosa como lo es la ciudad de pinamar, para mostrarnos los devenires de dos hermanos sin llegar a aburrir al espectador. Se utilizan muchos primeros planos logrando así darle un efecto dramático a las escenas que lo necesitan y nos dejan denotar los sentimientos y casi los pensamientos de los personajes sin la necesidad de mostrarlos abiertamente.  La película puede llegar a ser algo lenta pero eso también le da algo de encanto, mostrando con pocas palabras, las diferentes situaciones que pueden llegar a ser tensiónates o dramáticas para los personajes  como por ejemplo el momento en que los dos hermanos estaban firmando para vender el apartamento.

La historia de pinamar a diferencia de muchas otras no busca dejar una enseñanza como tal, se centra en mostrarnos a personas comunes con una problemática que cualquier persona puede llegar a vivir en algún momento de su vida, logrando de esta manera una conexión entre el espectador y los personajes, quienes con sus sentimientos logran contrastar con la ambientación algo melancólica que se nos muestra.

En mi opinión la película logra contar una linda y simple historia, sin la necesitas de utilizar a muchos personajes o universos fuera de común, tampoco necesita un presupuesto mayor para atrapar al espectador durante 90 minutos. Logrando asi una gran película con un presupuesto mínimo.

Valentina Plazas 

como perros y humanos 2 CORTE

COMO PERROS Y HUMANOS

Vida de perro es un film realizado en 1918, dirigido y actuado por Charles Chaplin. Esta fue la primera película de una serie de 8 que gravaría alrededor de 5 años con la productora First Nacional. En la cual mediante del humor se nos muestra un paralelismo entre la vida de un hombre de La calle y la de un perro también callejero. Los cuales se ayudan mutuamente para sobrevivir a las adversidades del ambiente donde se encuentran.

 Charles Chaplin actúa como Charlot un hombre que por diversas circunstancias termina viviendo en la calle y robando comida para sobrevivir, al mismo tiempo se nos muestran cortas escenas de un perro callejero que se encuentra durmiendo en una caja mostrando la similitud entre las dos situaciones. Charlot busca conseguir trabajo en una oficina de empleos pero las personas que se encontraban esperando también por uno se lo impiden apartándolo constantemente de la fila, pese a que Charlot fue el primero en entrar, en las mismas escenas vemos como el perro que anteriormente se encontraba durmiendo en la caja se encuentra algo de comer pero de la misma forma como a Charlot los otros perros le quitan lo que consiguió. En su momento el perro y el hombre finalmente se encuentran en la misma escena. Luego de diferentes situaciones Charlot y su perro entran a un bar encontrándose con una bella mujer de la cual el hombre se enamora a primera vista y trata de sacarla del lugar.

Es en este momento que notamos como el objetivo del film se convierte en salvar a la chica de una “vida de perros” mostrándonos de forma más cómica que dramática, la explotación a la cual es sometida por el propietario del local, logrando con esto una crítica a este tipo de situaciones. Más tarde en la historia un millonario pierde su cartera con mucho dinero y Charlot junto con el perro la encuentran,  teniendo así un final bastante feliz donde logran rescatar a la chica y vivir una buena vida donde el antiguo vagabundo y el perro consiguen una familia.

El film hace una crítica muy marcada a la situación social de aquella época donde finalizada la guerra la situación de pobreza de vuelve muy complicada de sobrellevar dejando a muchas personas en situación de vulnerabilidad frente a otras con más dinero o poder mostrado esto en el ejemplo de la chica del bar. A pesar de ser seres humanos, el dinero y los estigmas sociales nos dividen de tal forma que una persona con menos recursos se visto no diferente a un perro o incluso menos y a pesar de que Chaplin lo dijo en su momento en la mayoría de sus películas, es una situación que hoy día sigue ocurriendo.

Valentina Plazas

Nosferatu, El Vampiro que perdura en el tiempo 2CORTE

Nosferatu, El Vampiro que perdura en el tiempo 

El expresionismo alemán aparece en el siglo XX como una respuesta a los estándares artísticos que se tenían en Europa para la época donde se buscaba representar las experiencias emocionales. En esta corriente surgen grandes obras de cine las cuales manejaban una temática y dirección artística similares. Para el año  1922 y dirigida por F.W Murnau se puede destacar una de las primeras películas de terror y vampiros. La cual aún hoy en día es la inspiración para muchas otras nosferatu.

La obra nos muestra como un agente inmobiliario le pide a un hombre llamado hutter viajar a Transilvania debido a que se piensa vender una finca que se encuentra cerca de los terrenos de la casa de hutter, el hombre viaja para cerrar el acuerdo con el conde Orlok. Durante el largo viaje hutter hace una parada en una posada donde encuentra sospechosos libros acerca de vampiros. Luego el hombre llega a la mansión del conde Orlok donde le ocurren algunas cosas extrañas y para la mañana siguiente se encuentra con que tiene dos marcas en el cuello, las cuales  el interpreta como picaduras de insecto y no les da importancia. Cuando hutter finalmente firma el contrato se entera que el conde en realidad es un vampiro y teme por su vida y la de su esposa.

Nosferatu es una de las películas de terror más icónicas del siglo XX mostrándonos una de las primeras adaptaciones al libro de Bram Stoker Drácula. Su personaje principal el conde Orlok causo un gran impacto para toda la cultura de vampiros tanto en el cine como en libros posteriores al de Bram Stoker, siendo incluso considerado como una de las especies de vampiros más fuertes y antiguas que existe.

A pesar del paso del tiempo y el cambio de épocas nosferatu es una película  altamente disfrutable la cual aún causa terror. El manejo de los ambientes oscuros y la atmosfera totalmente turbia deja en intriga al espectador durante toda la película, los planos cuidados y las luces utilizadas en la película son parte de su encanto, logrando integrarte dentro de la película.

Si bien los tiempos han cambiado y hoy en día lo que nos da miedo no es lo mismo que hace muchos años. Esta película a logrando mantenerse en los años como un clásico del cine de terror. El film puede llegar a ser algo complicado de ver, pero con un poco de paciencia y un gran gusto por el buen cine se puede encontrar una película a la cual muchas personas deberían ver si en algún momento desean pasar una buena tarde con cine antiguo, o algún director puede sacar gran inspiración sobre lo que es un verdadero vampiro y lo el miedo que criaturas como estas pueden generar.

Valentina Plazas Dávila

El Gabinete del Doctor Calligari: un oscuro mundo interior

Dos años después del final de la primera guerra mundial (1920) se estrena en Alemania El Gabinete del Doctor Calligari de la mano del director Robert Wiene, nos encontramos con una Alemania que ha resultado vencida, se encuentra sumida en la recesión económica, la incertidumbre política y evidencia una decaída moral en sus ciudadanos que se enfrentan a las secuelas psicológicas de la guerra. Paralelo a estos acontecimientos en Europa y con especial fuerza en Alemania se está desarrollando un movimiento artístico que no es ajeno a estos acontecimientos históricos ni a las dinámicas sociales del momento, el expresionismo, que es justamente el movimiento en el que la obra de Wiene encuentra un marco, siendo considerada incluso uno de sus mayores referentes en el campo cinematográfico.

La cinta como su nombre lo indica gira en torno a la figura del Doctor Caligari, un hipnotizador que viaja por distintos lugares de Alemania con el fin de presentar un espectáculo, donde exhibe ante la audiencia a un sonámbulo que aparenta ser de su propiedad llamado César y quien actúa solo bajo su influencia. Los hechos que componen la historia de la película se dan en un pueblo llamado Holstenwall, y se narran en retrospectiva desde el punto de vista de un hombre llamado Francis.

 La película presenta un atmósfera oscura y bizarra, un tanto surreal; el montaje se aleja del realismo, mostrando formas enrevesadas, con una perspectiva inusual, objetos alargados y deformados, la iluminación o más bien el poco uso de esta, genera un contraste fuerte pues las áreas oscuras predominan. El aspecto de los personajes va en sincronía con esta estética, sus rostros pálidos contrastan con la oscuridad de algunos de sus rasgos, de sus ojeras y sus labios, esto se complementa con lo teatral y expresivo de sus interpretaciones.

Todos estos elementos estéticos constituyen una historia fundamentada en el universo interno humano, pues cabe recordar que por la época de la creación y estreno de esta cinta, el expresionismo y sus diferentes manifestaciones artísticas buscaban explorar y expresar los sentimientos humanos y representar la realidad de una forma subjetiva, no es sorpresa que nos encontremos con que la mayoría de obras adscritas a este movimiento presenten deformaciones de objetos reales y  que predominen los colores vibrantes, también que el movimiento hay puesto sus ojos en la situación social de la época, rasgos que se pueden observar en alguna medida en El gabinete del doctor Caligari.

El filme nace con el propósito de hacer una crítica al gobierno Alemán de la época, la relación de Calligari y César sirve como una metáfora que representa la autoridad del gobierno y la obediencia ciega de sus ciudadanos, el hecho de que todos los acontecimientos de la historia sean producto de la imaginación de Francis quien al final resulta ser un paciente de un asilo (al igual que otros personajes) puede ser el reflejo la figura del ciudadano de posguerra, quien lidia con las secuelas psicológicas de hechos violentos y traumáticos y a su vez se enfrenta ante cuestiones existenciales.

La estética del filme, el giro final en su narrativa resultaron innovadores en su época, hasta el punto de conservarse tales elementos en la creación de películas en la actualidad, El Gabinete del Doctor Caligari justamente se ha ganado un papel difícil de reemplazar en la historia del cine.

Por Karen Juliana Espitia