2do Corte, reseña Vida de perros

La Vda de un Perro: Espejo al Hombre

La película muestra la vida de Charlot, un vagabundo que trata de sobrevivir robando comida e intentando conseguir trabajo, que luego encuentra a Scraps, un perro mestizo que irónicamente vivía las mismas condiciones que él. Esta asociación que es usada por Charles Chaplin como base de la construcción del plot, es dada como una manera de encadenar lo que en películas anteriores era solo una seria de cortos dispares; finalmente, esto hizo sus películas mucho más divertidas y de paso más profundas. Además, utiliza su comedia para explorar algunas realidades de la vida como lo son la pobreza, el desempleo o la prostitución, entre otras.

Este film hace alusión al hecho que la vida puede ser tratada como la de un animal, y en este caso, al más cercano al hombre, a los perros. El film es muy grato de ver y muy bueno, ya que el ingenio y la genialidad de Chaplin actuando no es necesitada de ningún sonido, prácticamente es poesía expresada por medio del teatro, por el movimiento y las expresiones; este actor y director poeta soñador, fue el más revolucionario en la historia del motion picture. Él podía comunicar cada pequeño detalle de la emoción humana y exhibirlo sin necesidad absoluta de palabra alguna, él es capaz de mostrar la historia a través de la actuación, para que así podamos ver y nunca dudar de lo que la mente siempre está pensando. Es por esta y muchas razones más que Chaplin fue el único director de cine en Hollywood que realizaba películas mudas a pesar de que ya era posible filmar con sonido, para él su arte era el cine mudo, gran expresión de su vida y muestra para el mundo.

Charles Chaplin, genio del humor, y gran referente al cine mudo que ahondo en el tema de la comedia, el drama y la crítica social, en todo momento nos muestra que en el humor está el sentido de la vida.

Nació en Londres, 1889, debutó con su personaje en el año 1914 con el cortometraje Charlot, periodista, titulado originalmente Making a Living. Aunque ésta supuso la primera aparición de Charles Chaplin en la gran pantalla, no fue hasta su segundo film, Carreras sofocantes, cuando el mítico director, actor y productor británico dio a conocer al clásico vagabundo de pantalones anchos. Desde entonces, apenas pasaron unos meses hasta que su cine se convirtiera en un fenómeno de escala mundial, en donde por ejemplo, A Dog's life, debuto peculiarmente en cantidad enorme con sus ganancias de 1 millón de dólares.

Y es gracias a este gran actor que nos damos cuenta de lo peculiar que es la vida y que en realidad la risa es la clave para vivir.

NOSFERATU: UN CLASICO QUE PERDURA EN EL TIEMPO

El expresionismo alemán aparece en el siglo XX como una respuesta a los estándares artísticos que se tenían en Europa para la época donde se buscaba representar las experiencias emocionales. En esta corriente surgen grandes obras de cine las cuales manejaban una temática y dirección artística similares. Para el año  1922 y dirigida por F.W Murnau se puede destacar una de las primeras películas de terror y vampiros. La cual aún hoy en día es la inspiración para muchas otras nosferatu.

La obra nos muestra como un agente inmobiliario le pide a un hombre llamado hutter viajar a Transilvania debido a que se piensa vender una finca que se encuentra cerca de los terrenos de la casa de hutter, el hombre viaja para cerrar el acuerdo con el conde Orlok. Durante el largo viaje hutter hace una parada en una posada donde encuentra sospechosos libros acerca de vampiros. Luego el hombre llega a la mansión del conde Orlok donde le acurren algunas cosas extrañas y para la mañana siguiente se encuentra con que tiene dos marcas en el cuello, las cuales  el interpreta como picaduras de insecto y no les da importancia. Cuando hutter finalmente firma el contrato se entera que el conde en realidad es un vampiro y teme por su vida y la de su esposa.

Nosferatu es una de las películas de terror más icónicas del siglo XX mostrándonos una de las primeras adaptaciones al libro de Bram Stoker Drácula. Su personaje principal el conde Orlok causo un gran impacto para toda la cultura de vampiros tanto en el cine como en libros posteriores al de Bram Stoker, siendo incluso considerado como una de las especies de vampiros más fuertes y antiguas que existe.

A pesar del paso del tiempo y el cambio de épocas nosferatu es una película  altamente disfrutable la cual aún causa terror. El manejo de los ambientes oscuros y la atmosfera totalmente turbia deja en intriga al espectador durante toda la película, los planos cuidados y las luces utilizadas en la película son parte de su encanto, logrando integrarte dentro de la película.

Si bien los tiempos han cambiado y hoy en día lo que nos da miedo no es lo mismo que hace muchos años. Esta película a logrando mantenerse en los años como un clásico del cine de terror. El film puede llegar a ser algo complicado de ver, pero con un poco de paciencia y un gran gusto por el buen cine se puede encontrar una película a la cual muchas personas deberían ver si en algún momento desean pasar una buena tarde con cine antiguo, o algún director puede sacar gran inspiración sobre lo que es un verdadero vampiro y lo el miedo que creaturas como estas pueden generar.

Valentina Plazas Davila

LA INSIGNIA DE LOS PERDEDORES

Tras las inquietudes socio-políticas de la Alemania de postguerra surge un movimiento llamado el expresionismo alemán, corriente de vanguardia que recurre a la deformación de la realidad como mecanismo para expresarse. También busca reflejar los estados de ánimo recurriendo a la simbología de las formas, deliberadamente distorsionadas.

La película de Robert Wiene “El gabinete del Doctor Caligari” nace en 1920, esta película marca el inicio del movimiento; está basada en hechos reales, un famoso crimen cometido por un psicópata en la ciudad de Hamburgo. Aunque el guión original procuraba ser una dura crítica del estado alemán a través de esta historia Weine le dio otro giro.

En este film como en el expresionismo, vemos como la negatividad de la época se ve reflejada en como la distorsión de la realidad ya mencionada se ve reflejada en las formas que se usan para describir los entornos cotidianos, representados con ángulos poco comunes, que dan una impresión de perspectiva extraña, dando aires de locura a la ambientación donde se encuentran sus personajes.

Sin embargo es interesante como con estas figuras extrañas se logra crear un ambiente coherente, en el es posible hilar una historia con lugares distinguibles los unos de los otros, estableciendo así de una manera solida a los personajes, cuya estética también vale la pena resaltar, con su exuberante maquillaje, ya fuera hombre o mujer quien lo llevara puesto, dando así mas fuerza a la trama y ambientación mística, retorcida, y si se quiere por qué no con aires de locura y oscuridad permanentes.

Cuando juntamos todo lo anterior dicho, tenemos como resultado una insignia de la manera de las personas, mediante el arte, de enfrentar las situaciones que su tiempo les concedió, y como estas a parte de apreciarlas como el arte que son, nos dan una introspectiva de lo que sentía la sociedad como colectivo producto de las anteriormente mencionadas situaciones y condiciones.

VEREDICTO: ¿intento de escape o representación de la realidad? La decisión es suya.

Nosferatu: un vampiro sin color 2do Corte

Nosferatu: un vampiro sin color

Nosferatu, una excelente adaptación del director F.W. Murnau en la pantalla grande (1922) de la novela escrita por Bram Stoker, Drácula. Sin duda el inicio de un fascinante género de terror, el cual en pleno siglo XXI sigue en furor y nos entretiene con sus oscuras historias.

A pesar de ser una película muda, con diálogos escritos, que nos podría generar en una primera instancia la sensación de ser algo aburridor, sin embargo, como todas las obras maestras de este género, nos deleita con sus escenas, suspenso y poco a poco nos va envolviendo.

Thomas Hutter, un hombre de negocios, se ve envuelto en una serie de situaciones con su nuevo cliente Orlok, quien vive en un castillo en Transylvania.

Es interesante analizar como desde este momento, un ser ficticio como lo es Drácula, empieza a tener una evolución en la historia del cine, colmándonos como aventuras intrigantes, apasionantes, en donde nos pone a pensar que puede existir otro tipo de vida, al igual que lo hacen las películas de ficción.   

Una de las escenas más memorables de esta película,  es cuando el conde Orlok viaja en un barco hacia la ciudad ficticia alemana de Wisborg, quien lleva consigo una serie de ataúdes los cuales son obviados por la tripulación. Nunca antes hubiéramos concebido una barco tan aterrador como hasta este momento.  

La perspicacia como Murnau nos muestra está historia te terror es algo extraordinario, a pesar de evidenciar un silencio terrorífico, la película se torna en una representación teatral, en la que nos vemos enfrentados a nuestros temores, demonios y por qué no decirlo a nuestro ser animal e instintivo.

Siempre hemos querido contar con poderes, tener facultados extraordinarias, como volar, ser invisibles y por la tanto, a pesar de no tenemos ninguna de estas facultades, logramos plasmar todos nuestros deseos en el arte.

En este caso a pesar de que se trata de un ser aterrador, si analizamos más allá de este personaje, podemos ver representado en cierto modo como es el ser humano; no bebemos sangre, aunque en ciertas culturas sí; la noche nos seduce tanto como a escritores como a cualquier otro artista, nos inspira y gracias a ella surgen increíbles creaciones. La noche nos desinhibe…

¿Quién no ha tenido la curiosidad de saber cómo sería una vida sin efectos de tiempo, sin llegar a envejecer?  

Drácula sigue vivo, tanto en la pantalla grande como en nuestro interior y por muchos años más, seguirá deleitándonos con su envidiada o desdichada vida eterna.  

Andrius La Rotta

El Gabinete Del Dr. Caligari, El Poder Del Sueño.

El Gabinete Del Dr. Caligari 1920, es una gran representación del expresionismo alemán en la categoría de cine mudo y en blanco y negro, como era la característica de la época. Podemos observar en esta producción cómo los escenarios parten de la realidad cotidiana y se van alejando hacia un plano surrealista e imaginario, siendo estos escenarios muy planos, dando la sensación de 2d.

Esta película tiene como género el terror, y esto no solo lo muestra en su trama, sino también en el estilo escenográfico, el cual es oscuro, acompañado de sombras y penumbras, utilizando formas con angulosas, puntas que rematan los accesorios y curvas que generan ambientes inclinados; Este estilo escenográfico me hace evocar los fondos de las animaciones del vídeo juego "Alice Madness Returns", manejando fondos planos con un ambiente oscuro y tétrico.

Cuenta la historia del Dr. Caligari, el cual es un hipnotizador, que utiliza un sonámbulo para cometer una serie de asesinatos; según se evidencia en el guion del film. El sonámbulo se llama Cesare y ha dormido por espacio de 27 años, al estar en este estado por tanto tiempo,  ha adquirido el poder de predecir  el futuro de cualquier persona.

El autor nos quiere mostrar a través de su película cómo se veía Alemania en esa época (al finalizar la Primera Guerra Mundial); representa al Estado como el Dr. Caligari y el pueblo es el sonámbulo, el cual esta hipnotizado; así, él autor quería mostrar la situación del país en dicho momento, donde el pueblo seguía al Estado sin protestar de ninguna manera ante sus decisiones, por más injustas  y tiránicas que fueran.

Este film presenta una crítica que el autor quiere compartirnos, que es del todo vigente hoy día en nuestro país;  y en muchos otros por supuesto, ya que vivimos situaciones absurdas donde los gobernantes del país toman decisiones a su acomodo beneficiando sus mezquinos y ambiciosos intereses, legislando normas injustas que menoscaban los derechos del pueblo, el cual  aunque sufre las inclemencias de estas decisiones, carece de memoria histórica y sigue eligiendo a los  mismos verdugos desde hace 200 años.

Lo que pasa es que siguen hipnotizados por este Estado que se vale de toda clase de artimañas y engaños, sumado a la pantomima de los medios de comunicación que están a su servicio, hacen que sigan votando por los mismos corruptos e hijos de corruptos de siempre, para que sigan manejando el destino de este macondo donde nacimos y donde todo lo imposible es posible.

Algo que me parece interesante en esta película, es el hecho de que Caligari cometía los asesinatos por medio del sonámbulo Cesare; lo cual se parece a lo ocurrido en La Guerra Fría, donde Estados Unidos y Rusia estaban en un conflicto no declarado y que en lugar de enfrentarse los dos, hacían que otros países se enfrentaran por ellos (Vientan, Corea, Afganistán…) Situaciones como éstas ocurren por el hecho de no querer aceptar la culpabilidad en nuestras acciones,  mejor es  culpar a alguien más.

Nosferatu, una inspiracion para el cine actual.

En el año 1838 en la ciudad de Wisborg tienen una vida feliz Hutter y su esposa Ellen, hasta el dia que el un agente inmobiliario Knock envia a Hutter a Transilvania para hacer un negocio con el conde Orlok de la venta de una hacienda  de Wisborg. En el viaje, Hutter para a descansar en una posada que encuentra en el camino, y encuentra un viejo tratado sobre vampiros que esta en su habitación, ya cuando llega de una vez en el castillo, lo recibe el espeluznante conde. El día siguiente el protagonista amanece con dos pequeñas marcas en el cuello aun que el creé que son picaduras de mosquito.Luego es firmado el contrato y Hutter descubre que el conde es en realidad, el vampiro Nosferatu. Este intenta escapar pero al ver partir a el conde hacia hogar, Hutter teme por Ellen su esposa eh intentara todo para poder detenerlo.

Luego de esta pequeña introduccion entremos en tema, Nosferatu es bien conocida por ser una pelicula de culto estrenada en 1922 y dirigida por Friedrich Wilhelm Murnau; Hasta el dia de hoy este filme contina vigente inspirando en el genero de el terror.

Aun que no fue la primera películas con temática de vampiros si es "La Película" de esta temática dejando de implementar escenografías pictóricas que caracterizaban hasta ese entonces a las películas de expresionismo alemán abriendo campo a escenas al aire libre dando una imitación de la "realidad" algo que es muy utilizado hoy en día (como también fue la utilización planos en  picado y contrapicado)en películas como la Bruja de Blair, Rec o hasta el conjuro; En música como en Queen, Ghost,David Bowie y hasta en series como  American Horror Story, Scream Queens.

Por ejemplo Ryan Murphy  al dirigir ahs no se inmuta en demostrar su amor al expresionismo
alemán remarcando muchas referencias a películas de horror y de Nosferatu pero en especial en la sexta temporada donde toma mucho de el expresionismo alemán de Nosferatu y el doctor Caligari centrando todo lo que fue la publicidad de sus sexta temporada en homenajes a estas dos películas y en Scream Queens con los planos.

En difinitiva Nosferatu continua hasta el dia de hoy vigente como una referencia de el genero de el terror y de el exprecionismo aleman y aun que casi fue borrado de el planeta tenemos la suerte de que se logro conservar copias para poder postergar su legado hasta el dia de hoy puesto que sin esta pelicula la cinematografia actual seria muy distinta y aun que en si la historia es una copia de el libro Dracula no deja de ser una muy obra inpresindible para el cine actual.

Nicolas Torres Echeverry.

Nosferatu: La enfermedad del pueblo - Daniel Ladino

Nosferatu: La enfermedad del pueblo

Nosferatu, de Friedrich Wilhelm Murnau es una película hito de la historia del cine de horror, que posee música que siempre esta acorde y da una gran ambientación oscura y de terror; la personificación de los personajes es interesante y única y la gama de colores usada en esta siempre diferenciaba del día y la noche por medio del naranja y el azul.

En el acto uno de la película se narra inicialmente la vida de una pareja de esposos que vivían en Wisburg, en este acto Hutter, el esposo, termina yendo a Transilvania, el país de los ladrones y fantasmas, para venderle una casa a un conde, este parte de inmediato a contar a su esposa pero esta no estaba deacuerdo con su partida. Hutter debe dirigirse al castillo del conde Orlok y pasa una estadía en un hospedaje, ese mismo día es avisado que no debe salir cuando el hombre lobo esta cerca. Camino al castillo, la carroza de viaje en la que iba no decide avanzar ya que los conductores no se atreven a cruzar mas aya del paso y el puente, por lo que el decide bajar y termina encontrándose con un terrorífico sujeto que le ofrece llevarlo a su destino.

En el acto dos Hutter ya se encuentra en el castillo y es recibido por una persona de agrado petulante y sombrío. Hutter se encuentra cenando cuando de repente se hace media noche, Hutter se corta el dedo y se da cuenta que la persona quería su sangre. El despierta en la mañana pensando que todo es un sueño y que dos mosquitos lo habían mordido en el cuello. Es la media noche siguiente, y Hutter por un libro que encontró se da cuenta que esta con un “diablo”, la esposa al tiempo puede sentir todo desde lo lejos y parece padecer sonambulismo. Hutter empezó a indagar en el terror de sus noches, decide explorar el lugar y encuentra un ataúd, en donde descansa el conde. Luego de esto llevan al conde en carroza y carguero de camino a la nueva casa adquirida, que compro ya que deseo a la esposa de Hattor, Ellen, como su nueva victima.

En el acto tres tenemos a Hattor escapando y dirigiéndose lo mas pronto posible a salvar a su amada. Uno de los enfermos en un reclusorio resulta ser un vampiro, y este logra quitar una carta con advertencia de peste a un guardia, que detallaba que la gente en Transilvania con esta enfermedad tenia dos marcas en el cuello. Ellen se encuentra en un barco, y Nosferatu logra entrar a este como una plaga, infectando y matando a varios tripulantes.

En el acto 4 podemos volver a ver a Ellen sonámbula, el barco ya estaba plagado de muerte, y ella, en este estado decide salir a una búsqueda sin sentido. Nosferatu llega a la ciudad y sosteniendo su ataúd va camino a su nueva casa, pero Hutter logra llegar antes. La ciudad esta en peligro de sufrir peste ya que varios ataúdes del barco contenían ratas.

En el acto cinco, Ellen por curiosidad termina leyendo el libro que Hutter le pidió no hiciera, ya que para el fue aterrorizante. Mucha gente empieza a morir en la ciudad, y le echan la culpa a Knock, el enfermo que fue mordido, al cual persiguen pero este logra escapar haciéndose pasar por un espantapájaros. El conde Orlok consigue entrar a la casa de los esposos para ir por Ellen, mientras que ella fingía malestar y le pidió a el que trajera al doctor Bulwer; en lo sucedido, el conde muere a causa del amanecer ya que este se quema por la luz del sol y se vuelve cenizas.

Hay partes de la película que denotan una breve explicación y otras que carecen de conexión alguna con la película, como lo fue el hombre lobo que camino por el bosque, tema que no fue ahondado sino solamente nombrado.

La película carece de buen final, también pareciera que se queda mucho tiempo en el nudo, el mayor tiempo del transcurso de esta solo muestra el viaje del castillo a la ciudad del conde y no se centra mucho en el personaje principal, que es Huttor. El final es muy improvisado, sin embargo, el actor que hace del conde, hace un papel muy excelente, y esto creo que es la razón principal que hace de la película un gran referente del cine de terror actual. También, lo mas apreciativo del filme, es la gran semejanza que muestran entre la peste y el vampirismo.

Debe ser vista, ya que muestra la excelencia del séptimo arte.

Autor: Daniel David Ladino Cardoza

Un tono sombrío

Un tono sombrío

Reseña Nosferatu- F. W. Murnau

Este film nos muestra la historia del Conde Orlock, esta se le puede considerar como la primera gran película de terror de la historia, dirigida por Friedrich W. Murnau, además se trata de una obra maestra del expresionismo alemán, movimiento que se caracterizado con obras como “El Gabinete del Doctor Caligari”.

Algo que hizo tan especial esta película fueron los efectos que en ella implementaron, las sombras, decorados en general todo fue fundamental para el inicio del cine de terror.

Lo más curioso, es que muchos de los que participaron en esta obra acabaron trabajando en Hollywood y contribuyendo con sus ideas para hacer films como Frankenstein, el hombre lobo y demás representantes de este género, dichos personajes en la actualidad son un icono y la mayoría del mundo los reconoce por su historia peculiar.

Está bien sabido que Nosferatu fue la primera adaptación fílmica de “Drácula” la gran novela de Bram Stoker que ahora es casi considerada un culto, pero al no querer pagar derechos de autor y cambiar nombres y lugares de una forma en la que “nadie sospecharía” cometieron un error, porque Florence Stoker, la viuda del escritor, les llevó a juicio y ganó el caso y por este motivo fueron destruidas bastantes copias de este film.

El film tiene muchas cosas interesantes y hubiera sido una lástima que no hubieran quedado rastros de este, pero como esto no sucedió, pudimos apreciar una joya del cine, a mi parecer claro está, ya hablando más del film podemos recalcar que la forma como nos muestran a Drácula o Orlock aparece más como un fantasma dañino que quiere propagar la epidemia que carga,  algo totalmente diferente que como el sugerente y refinado que nos ofrecerán años después, el cual conocemos como el propio Drácula.

Lo que más hace interesante esta obra, fuel el actor que hizo de Orlock, ya que tanto las facciones dientes frontales afilados, orejas puntiagudas y ojos saltones, era lo que hacía tan característico y aterrador al personaje de Nosferatu, este fue muy bien interpretado por el actor Max Schreck.

Uno de los elementos fundamentales de la obra fue el uso de sombras, logrando que éstas nos mostraran momentos inquietantes y terroríficos que hacían tan especial esta película.

En lo personal el film es un poco raro, pero me gusta, ya que la forma en como lo hicieron es interesante, como ya antes lo he mencionado varias veces me gusta el hecho de que implementaran las sombras de esa forma ya que esto nos da una expectativa de que puede suceder más adelante.

Nosferatu el vampiro: el mejor ejemplo del expresionismo Alemán.

Las artes son siempre el fiel reflejo de la manera en la que la sociedad se desenvuelve, y el cine, como el septimo arte, no puede ser la excepción a esta regla.  Un buen ejemplo de esto, lo apreciamos con la corriente artistica expresionista desarrollada en la Alemania del periodo transcurrido entre las dos guerras mundiales, donde agobiados y temerosos por los cambios sociales, culturales, tecnológicos y económicos, entre otros, los artistas trasforman lo que ven en el acontecer diario y lo transfoman según sus expresiones interiores, dando formas muy personales a sus obras, en las que no importa ser fiel a la realidad, sino expresar sus propias sensibilidades, las cuales luego de vivir los horrores de la guerra y la miseria de la etapa de preguerra estaban seriamente influenciadas por visiones con grandes tintes de aborrecimiento, perversidad y extravagancia.

Esto se refleja en el manejo de lo gótico, las imágenes fantasmales, el enfoque psíquico de los personajes, las tomas filmicas con contrastes de claridad y obsuridad absoluta sin intermedios matizados de gris, las acciones sobreactuadas de los personajes tanto en sus expresiones corporales excesivas en algunos momentos y sus movimientos como automatas en otras escenas.  De igual manera, se nota de manera muy marcada el manejo de parajes solitarios, construcciones en ruinas, y para centrar la atención en los personajes sin importar el ambiente en el que se desarrolla una acción, la forma en que se cierra la lente de la cámara enfocando solo lo que el director de película quiere expresar al público.

De esta corriente denominada expresionismo, la película Nosferatu, presentada en 1922 por el director alemán Friedrich Wilhelm Murnau, es el mejor ejemplo pues en ella apreciamos el manejo ejemplar de los contrastes claroscuros de las terroríficas acciones del conde Orlok, cuando hostiga al señor Hutter y a su esposa Ellen, bien sea desde su antiguo castillo o desde la casa en ruinas frente al hogar de la pareja.

De igual manera, apreciamos control mental que el conde ejerce sobre sus victimas, que no es más que el reflejo de una sociedad alemana que tras sufrir la derrota en la primera guerra mundial, espera en medio de una rara mezcla de ansia y temor el surgimiento de un líder autoritario que con su dominio los libere del miedo a ejercer control sobre sus vidas y los guie hacia la recuperación de su autoestima.

Resumiendo a grosso modo lo apreciado en la película, encontramos todo lo que la corriente artística expresionista vivió: la miseria, los edificios en ruinas, la transfiguración de su realidad, la necesidad de una segunda vida para desahogarse de los acontecimientos, los horrores de la guerra que solo dejaron obscuridad en sus vidas, pero finalmente el resurgimiento de la esperanza, pues a pesar del poder y el gran terror que representa el conde Orlok, el cual luego de hacer gran daño a su paso simplemente se esfuma por la acción de los rayos solares, en una acción que podemos interpretar como la ilusión de la sociedad sobre el resurgimiento de su país.

Y como puntada final, del manejo de la oscuridad, la dualidad de los personajes y las características grotescas y siniestras del expresionismo, la ponen en la vida real los dueños del estudio Prana Film, que sin obtener los derechos de autor de la viuda de Bram Stoker, escritor de la novela “Drácula”, la llevaron al cine cambiando los nombres de los personajes y las ciudades y obteniendo grandes ganancias, se declararon en quiebra y al igual que el Vampiro Nosferatu, simplemente se esfumaron sin dejar rastro para no pagar las multas que les fueron impuestas por la infracción cometida.

Autor: Paola Tejada.

como perros y humanos

COMO PERROS Y HUMANOS

Vida de perro es un film realizado en 1918, dirigido y actuado por Charles Chaplin. Esta fue la primera película de una serie de 8 que gravaría alrededor de 5 años con la productora First Nacional. En la cual mediante del humor se nos muestra un paralelismo entre la vida de un hombre de La calle y la de un perro también callejero. Los cuales se ayudan mutuamente para sobrevivir a las adversidades del ambiente donde se encuentran.

 Charles Chaplin actúa como Charlot un hombre que por diversas circunstancias termina viviendo en la calle y robando comida para sobrevivir, al mismo tiempo se nos muestran cortas escenas de un perro callejero que se encuentra durmiendo en una caja mostrando la similitud entre las dos situaciones. Charlot busca conseguir trabajo en una oficina de empleos pero las personas que se encontraban esperando también por uno se lo impiden apartándolo constantemente de la fila, pese a que Charlot fue el primero en entrar, en las mismas escenas vemos como el perro que anteriormente se encontraba durmiendo en la caja se encuentra algo de comer pero de la misma forma como a Charlot los otros perros le quitan lo que consiguió. En su momento el perro y el hombre finalmente se encuentran en la misma escena. Luego de diferentes situaciones Charlot y su perro entran a un bar encontrándose con una bella mujer de la cual el hombre se enamora a primera vista y trata de sacarla del lugar.

Es en este momento que notamos como el objetivo del film se convierte en salvar a la chica de una “vida de perros” mostrándonos de forma más cómica que dramática, la explotación a la cual es sometida por el propietario del local, logrando con esto una crítica a este tipo de situaciones. Más tarde en la historia un millonario pierde su cartera con mucho dinero y Charlot junto con el perro la encuentran,  teniendo así un final bastante feliz donde logran rescatar a la chica y vivir una buena vida donde el antiguo vagabundo y el perro consiguen una familia.

El film hace una crítica muy marcada a la situación social de aquella época donde finalizada la guerra la situación de pobreza de vuelve muy complicada de sobrellevar dejando a muchas personas en situación de vulnerabilidad frente a otras con más dinero o poder mostrado esto en el ejemplo de la chica del bar. A pesar de ser seres humanos, el dinero y los estigmas sociales nos dividen de tal forma que una persona con menos recursos se visto no diferente a un perro o incluso menos y a pesar de que Chaplin lo dijo en su momento en la mayoría de sus películas, es una situación que hoy día sigue ocurriendo. 

Valentina Plazas Davila

                                                                                                                                             

¿Chaplin refleja la realidad de su época?

Charles Chaplin fue un actor que fue reconocido por como utilizaba la música y el sonido en sus películas, además sin utilizar los grandes avances del cine en su momento si no que por su gran actuación fue capaz de dar a conocer todo lo que expresaba cuando actuaba sin decir una sola palabra; teniendo una excelente forma de poder contar las historia. en la cinta Vida de Perros del año de 1918 en la cual Chaplin fue su director y actor principal él nos busca dar a conocer una crítica sobre lo difícil que era la época para las personas después de una guerra y todo el maltrato que se ve a los empleados de las empresas por no tener derechos. El siempre busca que con cada una de sus películas nos lléguese un mensaje sobre la situación de su época y por lo que la gente de clase baja tenía que pasar para poder llevar algo de comida a su familia buscando tener un techo en el cual pueden descansar y toda la crueldad que puede pasar en tiempos tan oscuros también buscando representar lo que él tuvo que vivir ya que desde una temprana edad quedo huérfano y lleno de orfanato a orfanato sin un rumbo fijo. Para mi si mostraba de forma clara lo que vivía en su época y su situación actual sin tener que decir una sola palabra en todas sus filmaciones y siendo un gran artista que sigue siendo un gran referente aun en la actualidad dejando una buena marca en la historia por su trabajo y siendo recordado por mucho tiempo más. Camilo Mateus

Una Lucha entre clases

UNA LUCHA ENTRE CLASES

Metrópolis es un film alemán de 1927 dirigida por Fritz lang y una de los primeras que puede ser considerada del genero de ciencia ficción. En esta se nos lleva a un mundo futurista del siglo XXI en el cual el avance de la tecnología ha dividido la sociedad en dos grandes y marcadas clases: los que viven en la superficie los cuales son una élite que vive a costa de la segunda clase, y los trabajadores, quienes sitúan sus casas en el subterráneo de la ciudad y trabajan día y noche para mantenerla en funcionamiento.

Metrópolis no solamente fue una de las primeras películas de ciencia ficción y por tanto una película necesaria para incursionarse en el tema, si no a demás también es una película con una gran crítica social hacia la explotación laboral que se da en diferentes partes de mundo después de la revolución industrial. Metrópolis trata entre sus temas principales el trabajo como alienación del individuo, de esta forma se nos muestran a los obreros que tienen que cumplir con horarios extremadamente largos, en condiciones totalmente insanas y con pagos muy reducidos. Por el contrario, la gente que vive en la superficie goza de diferentes lujos mientras no se tienen que esforzar de esa manera. Pero a pesar de estas condiciones los obreros se encuentran totalmente alienados, sin llegar a tener una conciencia real van a trabajar todos los días en un sinsentido del cual no logran despertar y donde al final se es representado como todas sus vidas acaban cuando mueren y no es más que avanzar a un sinsentido mayor como lo puede ser el infierno allí representado.

Otra temática importante tratada en Metrópolis es la lucha de clases concepto netamente comunista el cual es representado cuando la falsa María le habla a las masas y las convence de luchar por sus ideales pero a diferencia de la María real el robot lo hace de forma que los trabajadores comienzan a destruir toda la ciudad, causando con esto su propia destrucción. Pero a su momento los obreros se dan cuenta que fueron engañados por una falsa María y la tiran a la hoguera. Al final se muestra como la verdadera María junto con Freder el hijo del dirigente de la ciudad, logran llegar a una reconciliación entre las dos clases sociales haciendo que el dirigente de la ciudad y e capataz de los obreros se den la mano dando por finalizada la película y con un mensaje de conciliación entre clases.

Autor: Daniel David Ladino Cardoza

Vida de perro es un mediometraje mudo (1918) dirigido  por Charles Chaplin.

Charlot personaje principal, un hombre sin trabajo y que habita en la calle viviendo por decirlo así en un terreno cercado , solo roba comida para sobrevivir   y una que otra vez se encuentra burlando y huyendo de la policía,  se encuentra a un perro llamado Scraps ,  este vive una situación  igual a la de Charlot,en ese momento lo persiguen un grupo de  perros Charlot lo ayuda a escapar se hacen amigos. Comparando la situación de Charlot  con entornos actuales ,no es muy raro ver un habitante de la calle conviviendo con un perro al lado.

En el mediometraje se utiliza el perro para demostrar la situación social de ese momento que no se diferencia mucho, a lo que actualmente se puede estar viviendo en varios lugares del mundo , es una realidad social, no hace  falta ser un perro de la calle para estar viviendo una situación similar ,   otro punto de vista importante viéndolo por el lado artístico, es la parte del mediometraje en donde rechazan a la chica  y ella pues pidiendo lo que merecía, es como ese rechazo de que si no tiene plata o no es muy conocido, quieren que el show sea regalado, no se aleja en nada de la realidad , ser excluido por una situación económica diferente .

Básicamente con respecto al trabajo, actualmente es sentirse oprimido por una situación económica que conlleva a trabajar para temporales pero siempre con una inconformidad la explotación laboral .

Sebastian Santana.

Un hueso para los 2

Un hueso para los 2

reseña Charles Chaplin -"una vida de perro"

Una vida de perro fue el primer corto que realizó Chaplin con la First National, también fue la producción más larga de el en esa época, aparte de esto, fue el primer film en el que quiso mostrar seriamente un argumento cómico.

Este se enfoca en mostrar como Chaplin en esta película era un vagabundo y lo duro que debe ser estar en una situación así, ya que para una persona esto debe ser algo complicado, por eso el nombre que se le da al film me parece bastante acertado y lo interesante en este, es ver el tema que tratan y el humor que le dan al mismo tiempo.

Al principio nos muestran como él se metía en bastantes problemas por buscar algo de comer, a tal punto de ser perseguido por la policía, algo que le da un toque bastante cómico al film porque era gracioso como los polis trataban de atraparlo sin tener éxito, al mismo tiempo nos mostraban a un cachorro que estaba abandonado en la calle.

Él se da cuenta que ponen un anuncio de trabajo, intenta conseguirlo, pero fracasa, ya que le quitan su posición en la fila.

Más adelante ocurre algo bastante interesante, porque un hombre lanza algo de comer al suelo y Chaplin al escapar de los policías se encuentra con esto, muchos perros se pelean por aquel trozo, y el rescata al cachorro, un perro vagabundo, algo que le da más interés al film porque la comparación que nos muestran de Charles y el perro es interesante ya que a fin de cuentas los 2 están en la misma situación y de aquí en adelante se vuelven amigos por decirlo de este modo.

Estos 2 en el film tienen una amistad casi perfecta, pero al ser vagabundos tienen que luchar para mantenerse vivos a pesar del hambre, algo que me llamo mucho la atención fue que después de la película se volvieron grandes amigos, este film fue un gran éxito de Chaplin.

Mutt (así le llamo Chaplin a aquella perrita mestiza) disfrutó de ese gran éxito junto a él, ya que gracias a esas cualidades que la hacían única, el afectuoso carácter y la enorme inteligencia que poseía, Charles Chaplin la adopta y pasó el resto de su vida como un miembro de la familia de él.

Centrándonos de nuevo en el film, podemos recalcar que luego de todo esto, Chaplin se enamora de una hermosa cantante -bailarina y ella le corresponde su amor.

Este film en lo personal me gustó mucho ya que nos deja una enseñanza, a pesar de estar en la situación que estemos siempre es bueno tener un poco de humildad, y debemos intentar seguir adelante sin rendirnos, con esto podremos cumplir nuestros tan anhelados deseos.

Vida De Perro, ¿Una Realidad?

“Vida De Perro” es un mediometraje de 1918 dirigido por Charles Chaplin, donde  muestra la conmovedora historia  de Charlot, quien representa la angustiosa vida de los “pobres”. También este film presenta a un perro que responde al nombre de Scraps, que está pasando por una situación similar a la de Charlot, son dos seres abandonados, vagabundos, desheredados de la vida y que luchan por sobrevivir ante una realidad llena de desempleo, necesidades y  hambre. El encuentro de estos dos seres se da en el momento en que Charlot ve cómo Scraps está siendo atacado por otros perros  y decide intervenir salvando a Scraps de sus atacantes.

Este mediometraje hace una crítica a la sociedad, que no se ve muy justa y posee una realidad cruda, maneja temas como el rechazó a las personas de bajos recursos económicos, la falta de solidaridad, la carencia de valores sociales que discriminan y aíslan a los menos favorecidos.

Aunque si bien, el film desarrolla la trama de manera cómica y que esta ayuda a que este cortometraje sea más llamativo no deja de mostrar en la trama una enseñanza real y consciente cargada de criticidad. Trata, además, otra situación  que abunda en nuestra sociedad, se trata de la explotación, en este caso laboral.

Tal explotación se evidencia cuando la chica que es una nueva cantante de música antigua,  tras una gran actuación  cantando en el escenario,  espera  ser recompensada por los esfuerzos realizados para  lograr dar este gran show y lo que recibe es el rechazo de su jefe el cual le da una paga injusta; esto es algo que hoy en día ocurre, por ejemplo en el gremio de los maestros, que les toca recurrir a las protestar para lograr ser escuchados y así exigir una mejora en la calidad de vida acompañada de un salario más justo, los trabajadores de Avianca, los indígenas, los campesinos y demás gremios pasan por situaciones de crisis donde los derechos adquiridos no se respetan y deben recurrir a las vías de hecho para llamar la atención del Estado.

Una cosa lleva a la otra, es decir, la explotación laboral ocurre porque la situación de pobreza hace que las personas menos favorecidas sean vulnerables a los intereses egoístas de los burgueses explotadores. En esta situación económica las personas se ven obligadas a trabajar por cualquier centavo sin darse cuenta que están aumentando el poder adquisitivo de los que “mandan”, se podría decir que el dinero aumenta el poder, haciendo que dicho poder económico se convierta en poder sobre las personas.

Pero esto es parte de la lucha por sobrevivir en una sociedad capitalista, donde si tienes dinero eres alguien. Aun se puede luchar por una sociedad más justa e igualitaria, consiguiendo una calidad de vida respetable, con condiciones más dignas para los seres humanos y no como nos muestra este mediometraje comparando la vida humana con la de un animal.

Una Sociedad Muda

Una Sociedad Muda

En nuestra actualidad es muy raro ver una película de cine mudo, es más, si llegáramos a ver alguna, diríamos ¿cómo?, que cosa tan extraña o inclusive la podríamos encontrar aburrida. Han pasado 90 años desde que la primera película sonora surgió (The Jazz Singer 1927), generando un tipo de cine muy distinto al que estaban acostumbradas las personas de su respectiva época.

No puedo pasar por alto una frase que una vez Woody Allen dijo en una entrevista: “El cine mudo era mucho más sencillo, el hecho de que el cine se tornara sonoro complicó mucho más las cosas”… Y claro, si analizamos un poco, el hecho de generar un guion, lograr sincronizar el sonido, hacer que todo encaje perfecto, aumenta el nivel de exigencia.

Sin embargo, el cine mudo marcó una era, una forma de apreciar la vida cotidiana, criticarla y hasta de mostrarnos otra visión, la cual, ya fuera de carácter informativo o simplemente por entretención.

Tiempos Modernos, comedia escrita en 1936 y dirigida por Charlie Chaplin, es un fiel reflejo del cine mudo y uno de los films más importantes de este director al lado del Gran Dictador y Luces de la Ciudad. Como la mayoría de sus películas, son obras satíricas en las que se ve reflejada la sociedad y economía estadounidense de esta época y el incremento de una industrialización la cual generó problemas que llevaron la Gran Depresión.

Es interesante como Chaplin nos muestra aquella realidad por la que se está enfrentando la sociedad en ese momento, y de cierta manera con características similares a las que tenemos en pleno siglo XXI. La tecnología en nuestros días pareciera que es imparable, nunca antes se habían logrado tantos avances tecnológicos como en este momento; computadores, celulares, internet,  arte digital, entre otros, han generado una revolución en nuestra manera de ver la vida, de comunicarnos, de una u otra forma no hacen la vida más fácil, pero también nos llevan a no apreciar el medio que nos rodea y así a ver todo a través de una pantalla.

Inevitablemente somos una sociedad muda y esto no lo expresó muy bien Chaplin, utilizando un humor inteligente. Cada avance tecnológico al que se ha visto enfrentado la humanidad ha generado una total revolución y en secuencia siendo afectada directamente por la tecnología.

Anteriormente las máquinas desplazaron a los trabajadores, por supuesto esto sigue ocurriendo y naturalmente incrementando, hoy en día no podemos vivir sin estar virtualmente conectados. ¿Cuál será el próximo avance?

Andrius La Rotta

Chaplin: el hombre que convirtió una vida de perros en un cuento de hadas.

El londinense Charles Spencer Chaplin, conocido como Charles Chaplin, fue renuente al uso del sonido en sus películas, pues basaba sus creaciones  no en las maravillas que la tecnología estaba llevando a la pantalla grande,  el gran logro de engranar imagen y sonido en un mismo filme, sino por el contrario, en la genialidad interpretativa de los actores, quienes con sus movimientos bastante teatrales y los gestos de sus rostros exhuberantes en expresiones que realzaban las acciones ejecutadas.

Con esta forma de resaltar la calidad histrionica de sus actores que fue lo que lo llevó a la creación de ese personaje mítico y genial conocido como Charlot,  el cual a su vez le hizo ganar el puesto del cómico más popular que haya tenido el cine durante todos los tiempos y que gracias a la aceptación del público a nivel mundial, lo llevó a la convición de que el cine mudo nunca iba a pasar de moda, pues los espectadores (según Chaplin) no querían perder su concentración en la actuación, que al ser completamente muda exigía mas calidad y talento por parte del actor.

¿Pero de donde sale toda esta soledad, miseria, dolor, pobreza y crítica social que de forma tan brillante plasma este genio en sus filmes?

Si analizamos su mediometraje “Vida de Perros”, presentado en 1918, que fuera la primera película que Chaplin realizara para la First National siendo su director y actor, nos damos cuenta que lo que realmente lleva a la pantalla es una crítica social de la época de la post guerra, sumada a las vivencias de su pasado, pues al perder tempranamente y de forma trágica a sus padres, paso por infinidad de orfanatos y hogares de paso, en los cuales convivió frente a frente con la miseria y la apatía de la sociedad del momento.

Todo esto, lo llevó a la creación de Charlot, personaje que ya habiamos mencionado y con el cual registró para la historia, en los gestos, la mirada y en general sus expresiones, toda esa soledad y melancolía almacenada durante la infancia; pero a pesar de todo, tambien registró esos sueños e ilusiones que nunca perdió y que lo llevaron a amasar una gran fortuna gracias al éxito de sus creaciones.

Un buen ejemplo de esto lo vemos en esta película en la que un vagabundo que deambula por las calles tratando algunas veces de robar un poco de comida y otras de evadir a la policía a causa de estas acciones, en algun momento salva a una perrita de una jauría y gracias a esto termina conociendo a una joven cantante y descubriendo una billetera repleta de dinero con la que puede reorganizar su vida al lado de la mujer y por su puesto, de su mascota, terminando despues de compartir tanta miseria como una persona acomodada y productiva.

Referente a “Vida de Perros”, el crítico francés Luis Delluc dijo: “Este film esla primera obra de arte completa del cine”; yo podría agregar: imposible que no sea la obra de arte mas completa del cine, si es el reflejo de la vida de Charles Chaplin, el más grande de todos los comicos de la historia filmica, quien hizo de su miseria un cuento de hadas.

Autor: Paola Tejada.