(corte 2)¿Ciudadano Kane una lección de vida?- Steban Gómez Cañón

Ciudadano Kane rompió todos los estándares del cine en su época, por esta película el medio tuvo un gran avance que es reflejado hasta hoy en día; por esto se le considera como una obra maestra de la cinematografía a pesar de ser una película blanco y negro la cual nos enseña diferentes lecciones de vida en un momento de la humanidad que aún podemos tomas como referencia.

La cinta toma dos elementos que capturan a los espectadores como lo llegan a ser el amor y la guerra llevándolo al séptimo arte como una historia de amor que acontece en la época de la segunda guerra mundial, teniendo un montaje escénico excelente una gran narrativa y saber llevar los problemas humanos que acontecen a lo largo del film.

La fotografía de la película fue sublime para esta gran película llegando a superar algunas de la actualidad logrando enfoques que eran difíciles para la época con un gran manejo de luz y sombra de varias escenas de la película puliendo toda la película para evitar errores en las escenas, en general la ambientación de la película fue de un gran nivel desde la música que encajaba perfectamente con el contexto de la historia y los escenarios que dejaba asombrados a las personas.

La película tiene el derecho de considerarse una obra maestra por lo interesante de esta en la cual podemos aprender puntos importantes para nuestras vidas y para escoger nuestra profesión y que algunas personas por llegar a sus metas van a pasar por encima de los demás sin impórtales las consecuencias de sus actos.

Steban Gómez Cañón

(corte 2) Reseña Nosferatu- F. W. Murnau- Steban Gómez Cañón

Esta obra fue La primera incursión cinematográfica que adecuaba la historia del famoso vampiro Drácula, de la gran novela de Bram Stoker, este libro fue tan importante que hoy en día parece ser la única novela del autor que continúa siendo leída actualmente.

Nosferatu, fue el nombre que le pusieron a este film para evitar problemas con los derechos de autor de este famoso libro, a pesar de esto Florence Stoker, la viuda del famoso escritor, les llevó a juicio y ganó el caso, gracias a esto fueron destruidas varias copias de esta película.

Drácula de una u otra forma siempre seguirá vivo, ya que por su temática tan peculiar ahora se le considera una joya, además de esto, siempre vendrán nuevas generaciones y podría ser el caso que les interese esta historia en particular ya que en la actualidad se ha dañado mucho el concepto de vampiros.

En la actualidad las películas de este estilo ya no son tan interesantes, sabemos que a lo largo de los años han cambiado los gustos, pero la temática que utilizan en estos films generalmente es muy repetitiva (no en todos los casos claro está) a mi parecer la película esta muy bien elaborada ya que tanto el escenario como los efectos y personajes le dan un toque único, por esto se le considera un clásico del cine de terror y a mi parecer es bastante interesante.

Este film a pesar de ser una de tantas películas mudas, nos atrapa enseguida, porque como lo mencione antes, la trama y los efectos que llegan a recrear por medio de sombras lo hacen tan especial, como todas las obras de este género, nos dan una sensación de suspenso la cual a lo largo de la película nos sumerge más en la historia y nos mantiene con una intriga de que hará luego este esté vampiro (Orlock).

Este film es una de las tantas obras del expresionismo alemán, movimiento que se caracterizado con obras como “El Gabinete del Doctor Caligari”.

Hablando un poco del gabinete del doctor Caligari podemos recalcar que, aunque los colores que en ella implementan no son muy agradables a la vista, tenemos que recordar la época en que se desarrolló esta obra, además sin desmeritar el trabajo que en ella aplican porque a mi gusto la película es interesante.

Esta película también es un film mudo de terror estrenada en 1920, a esta se le considerada la obra por excelencia del cine expresionista alemán, cuenta la historia de un loco hipnotista (Werner que usa a un sonámbulo para cometer asesinatos.

 Steban Gómez Cañón 

(corte 2) metrópolis una mirada distinta a la realidad - Steban Gómez Cañón

Metrópolis una mirada distinta a la realidad 

Una sociedad en crisis, un paralelo entre clases sociales muy marcado y una ciudad futurista es con lo que se da inicio a esta increíble cinta, “Metrópolis”, una producción cinematográfica dirigida por Fritz Lang en el año de 1927 con un contexto histórico ubicado en 2026, es quizá este el mejor inicio de una historia que sería la encargada de transportar a los espectadores a una nueva realidad en la que se transforma y se tiene una visión de lo que sería el mundo unos años después.   

Una sociedad en decadencia y el progreso científico constante que se va dando a través de los años fue en lo que se inspiró Thea Von Harbou para realizar el guion de esta increíble y prometedora historia, una obra que haría parte de las grandes producciones que fueron cumbre del expresionismo alemán y que fijaron su foco en hacer escenas con un sentido verosímil a partir de una estructura aristotélica, divida en tres actos y contando con dos puntos de giro muy marcados que darían el sentido a la historia junto con las distintas tramas que se mantienen y evidencian durante casi todo el film, tramas que estaban ligadas completamente a realizar una comparación entre dos distintas clases sociales, una dominante y autoritaria, en la que Johan Fredersen sería la expresión máxima del ser superior y otra que estaba al servicio de máquinas, la clase trabajadora y obrera, en la que María, una joven rodeada de niños, estaría ubicada; durante el desarrollo de la historia se ve como el personaje principal, Freder, hijo de Johan, conoce a María y es ella quien muestra la cruda realidad de una clase baja que esta mecanizada debido a el trabajo intenso y la monotonía en sus días. Aunque la historia es uno de los puntos, quizá, mas importantes, el montaje y las escenas forman parte significativa de esta producción debido a que a partir de allí se pretendía construir un relato y un sentido al hilo y desarrollo de la historia.

Más que una película de simple entretenimiento se ve el trasfondo de crítica social, mostrando sin ningún tipo de censura como las clases sociales funcionan, mientras los más poderosos reinan y disfrutan de todo aquello que tienen, lo de la clase obrera deben trabajar sin importar su estado físico, mantener su trabajo para sobrevivir un día más en una sociedad preocupada por el crecimiento y no por las personas, ya que aquellos que gobiernan lo tienen todo y aun así desean más.

Steban Gómez Cañón  

Cuidadano Kane - Innovación hecha película.

Ciudadano Kane, estrenada en 1941 es un largometraje considerado, aun ahora, como la película mas importante de todos los tiempos, una obra maestra. Pero ¿que tiene esta película para ser tan aclamada?. Ciudadano Kane nos cuenta la historia de Charles Foster Kane, personaje basado en William Randolph Hearst, una magnate que dirigía la prensa en estados unidos en esa época, siendo este el mas grande problema que su director, guionista, productor y actor principal de la película, Olson Welles podía enfrentarse, ya que para dicho magnate no fue de mucho agrado esa referencia.


Chales Foster Kane, un magnate de la prensa en Estados Unidos, que no buscaba mas que crear su propia verdad tratando de imponer ideas a su audiencia, con el simple motivo de demostrar que el puede hacerlo. El no se limitaba a informar, si no que el creaba la realidad. Durante el largometraje nos muestran el ascenso que tuvo Kane hasta llegar a su cumbre, en donde trato de introducir en el mercado de la opera a su mujer, sin tener ningún talento alguno para este. Siendo acá el primer punto resaltar del film, su guion, contando de gran originalidad y minuciosidad a sus lazos narrativos siendo bastante complejo, pero a la veces llevado con gran fluidez.

Pero para mi, el punto mas alto de esta película, es la innovación en el ámbito visual, su composición, montaje y su iluminación fueron bastantes avanzados entorno a la época en que se realizo, el lograr la profundidad de campo en los planos de la película fue un avance bastante significativo para el cine en general, llegando a causar sentimientos dividos, ya que también recibió mucha criticas por ser tan diferente al cine de su época, por romper tantos estándares, el cuidado que se nota en cada escena para llevar una composición correcta y la armonía que hoy en día es vital en el cine, los movimientos de cámara y los ángulos en los que se usaban fueron maravilloso, y sin dejar de lado su asombrosa banda sonara, Ciudadano Kane rompió todos los estándares e hizo que el cine mostrar un avance significativo.

Dog's Life - La naturaleza animal del hombre.

En esta historia de Charlot, el famoso vagabundo de Charles Chaplin, se nos muestra la analogía entre la vida de un perro callejero y la de un vagabundo, dos seres totalmente distintos, con una vida muy similar en donde la supervivencia es principal meta de que cada día, la búsqueda comida, el rechazo de aquellos que de manera económica son superiores a ti, y lo difícil que alcanzar un ritmo de vida natural. En el transcurso del cortometraje Charlot y Scraps, se encuentra y empieza llevar su vida, aunque igual de miserable con una buena compañía, Charlot empieza a cuidar y mantener a Scraps, dándole el cariño que ninguna persona le había dado, y por esto Scraps se convierte en su fiel compañero.

Cada cortometraje de Chaplin tiene algo que se queda en la mente sus espectadores, pudiendo ser una escena, algún buen chiste, o simplemente su estética tan propia, pero para mi en esta ocasión, es la manera en que Chaplin recrea lo mejor y lo peor de la naturaleza humana, de la cual hace una muy buena critica y entre sus lineas un poco de burla. Es muy evidente como entre mas dinero tiene la gente, mas banal y superficial se vuelven, entre este tipo de personas se pueden ver aspectos como el hurto, el maltrato, la infidelidad, y el engaño, como una gran multitud se mueve al son del dinero y los placeres que este otorga, pero al otro extremo, están Charlot y Scraps, que se ven en situaciones de extrema pobreza, pero son tan unidos y fieles el uno al otro, al punto de que al dormir uno es la almohada del otro, siendo esta la escena la mejor escena para mi gusto. Concluyendo con el choque de estas dos formas de vida y mostrando la manera en que nuestros dos protagonistas actúan ante esto.

Con un sutil uso de intertitulos, un buen movimiento de cámara y una banda sonora, que aunque algo repetitiva a mi forma ver, hacen que el cortometraje sea muy divertido y fácilmente entendible hoy en día, combinando de manera perfecta la critica y el humor, haciendo que el espectador entienda la posición del autor, entienda su critica, pero que a la ves se divierta. Siendo esta la esencia de Charles Chaplin.

Ladrón De Bicicletas, La Realidad Tras Las Ruedas

El Ladrón De Bicicletas es una película del director Vittorio De Sica la cual corresponde al movimiento cultural que se dio en Italia en 1948 llamado El Neorrealismo. Así  esta película se caracteriza por mostrar la realidad que el protagonista estaba viviendo en esta época, tratando temas como el desempleo, la pobreza, la lucha por sobrevivir y sobre todo, la vivencia de los  valores humanos.

La historia es narrada desde una época desfavorable  ya que Italia se encuentra  arruinada por la posguerra.  El protagonista se llama Antonio, es  un obrero que tras una larga espera para conseguir trabajo, al fin  logra obtener uno como fijador de carteles; la única condición era tener una bicicleta.

Pero preciso, la bicicleta tuvo que empeñarla por necesidad.  Su esposa María; quien le ayuda incondicionalmente, decide vender las sabanas (la mayoría usadas) para poder así recuperar la bicicleta y que Antonio pudiera obtener el trabajo. No todo en la vida  es perfecto, el primer día de trabajo le roban la bicicleta; aquí es donde comienza el verdadero problema por tratar de recuperarla, ya que podemos comenzar a ver los escenarios más a profundidad, a conocer cómo se veían las calles, cómo era el transporte y a conocer un poco de las costumbres que tenía la sociedad. También el director nos muestra un poco de cómo Vivían las personas que tenían más recursos.

Es raro no ver finales felices, ya que la mayoría de personas va al cine o ve películas para intentar alejarse de la realidad; La intención del director de esta película, es mostrar que la realidad no es perfecta, no es justa, ni tampoco color de rosa;  vivimos en un mundo donde la injusticia domina y está por encima de los valores. Las necesidades de cada ser humano  lo pueden llevar a cometer hasta el peor de los crímenes.

Vittorio nos quiere mostrar que el ser humano puede perder sus valores con tal de sobrevivir o cubrir sus necesidades básicas como lo es el alimento, la vivienda y la salud; Nuestro protagonista, que durante  toda la película se muestra como una persona humilde, que quiere recuperar lo que le pertenece de la mejor manera. Al final por la desesperación de pensar en  volver hacer parte de los desempleados y sin poder llevar un sustento a su hogar,  decide ir en contra de sus principios robando una bicicleta; pero lo más triste de esto es como su hijo que lo veía como un ejemplo a seguir, lo ve después de cometido el ilícito con ojos de decepción y tristeza.

Como dice la frase de Jacques Rousseau “El hombre nace bueno y la sociedad lo corrompe”, es una buena frase para esta película, ya que a causa de la necesidad vamos haciendo cosas que van en contra de los valores y principios humanos; hoy en día se ven casos que por hurtar,  atentan contra la vida de alguien. La realidad en la que vivimos no es algo que nos gustaría ver, nos duele verla, por eso esta película genera un sentimiento de tristeza y más al ver que no podemos hacer nada, somos unos simples espectadores de una realidad vivida y que sigue ocurriendo hoy en día.

El Gabinete del Doctor Calligari: un oscuro mundo interior

Dos años después del final de la primera guerra mundial (1920) se estrena en Alemania El Gabinete del Doctor Calligari de la mano del director Robert Wiene, nos encontramos con una Alemania que ha resultado vencida, se encuentra sumida en la recesión económica, la incertidumbre política y evidencia una decaída moral en sus ciudadanos que se enfrentan a las secuelas psicológicas de la guerra. Paralelo a estos acontecimientos en Europa y con especial fuerza en Alemania se está desarrollando un movimiento artístico que no es ajeno a estos acontecimientos históricos ni a las dinámicas sociales del momento, el expresionismo, que es justamente el movimiento en el que la obra de Wiene encuentra un marco, siendo considerada incluso uno de sus mayores referentes en el campo cinematográfico.

La cinta como su nombre lo indica gira en torno a la figura del Doctor Caligari, un hipnotizador que viaja por distintos lugares de Alemania con el fin de presentar un espectáculo, donde exhibe ante la audiencia a un sonámbulo que aparenta ser de su propiedad llamado César y quien actúa solo bajo su influencia. Los hechos que componen la historia de la película se dan en un pueblo llamado Holstenwall, y se narran en retrospectiva desde el punto de vista de un hombre llamado Francis.

 La película presenta un atmósfera oscura y bizarra, un tanto surreal; el montaje se aleja del realismo, mostrando formas enrevesadas, con una perspectiva inusual, objetos alargados y deformados, la iluminación o más bien el poco uso de esta, genera un contraste fuerte pues las áreas oscuras predominan. El aspecto de los personajes va en sincronía con esta estética, sus rostros pálidos contrastan con la oscuridad de algunos de sus rasgos, de sus ojeras y sus labios, esto se complementa con lo teatral y expresivo de sus interpretaciones.

Todos estos elementos estéticos constituyen una historia fundamentada en el universo interno humano, pues cabe recordar que por la época de la creación y estreno de esta cinta, el expresionismo y sus diferentes manifestaciones artísticas buscaban explorar y expresar los sentimientos humanos y representar la realidad de una forma subjetiva, no es sorpresa que nos encontremos con que la mayoría de obras adscritas a este movimiento presenten deformaciones de objetos reales y  que predominen los colores vibrantes, también que el movimiento hay puesto sus ojos en la situación social de la época, rasgos que se pueden observar en alguna medida en El gabinete del doctor Caligari.

El filme nace con el propósito de hacer una crítica al gobierno Alemán de la época, la relación de Calligari y César sirve como una metáfora que representa la autoridad del gobierno y la obediencia ciega de sus ciudadanos, el hecho de que todos los acontecimientos de la historia sean producto de la imaginación de Francis quien al final resulta ser un paciente de un asilo (al igual que otros personajes) puede ser el reflejo la figura del ciudadano de posguerra, quien lidia con las secuelas psicológicas de hechos violentos y traumáticos y a su vez se enfrenta ante cuestiones existenciales.

La estética del filme, el giro final en su narrativa resultaron innovadores en su época, hasta el punto de conservarse tales elementos en la creación de películas en la actualidad, El Gabinete del Doctor Caligari justamente se ha ganado un papel difícil de reemplazar en la historia del cine.

Casablanca: la fórmula clásica de Hollywood

Casablanca nos sitúa en el mundo en 1942, un mundo que atraviesa por la guerra, la incertidumbre política, el autoritarismo y la desesperanza del pueblo europeo. Como en muchas producciones cinematográficas modernas es una historia de amor la que constituye el hilo narrativo del filme. Nos encontramos con tres personajes, Rick, Ilsa y Victor, donde estos dos últimos dependen del protagonista Richard “Rick” quien posee dos salvoconductos que representan una salida de Casablanca hacia América y una nueva vida pero cuyos propósitos parecen ser truncados por los sentimientos que existen entre Ilsa y Rick debido a una relación romántica de los dos en el pasado.

La historia nos es mostrada inicialmente desde la voz de un narrador que nos ubica temporal y espacialmente, se vale principalmente de planos lineales y continuos que dirigen gentilmente al espectador a través de la trama, ocasionalmente se hace uso del plano alterno y también del flashback que aclara muchos interrogantes del momento actual sin enrevesar o complicar la narrativa enormemente. La iluminación juega un papel importante a la hora de enfatizar a los personajes y crear cierta atmósfera emocional de la mano de los primeros planos y planos detalle. Se hace también uso de algunos efectos especiales que, aunque no resultan del todo convincentes, (probablemente por las limitaciones técnicas de la época) cumplen con su propósito. 

Si bien todos estos elementos técnicos y estéticos brindan identidad al filme, son las interpretaciones cargadas de emotividad y sentimentalismo las que los articulan, pues, aunque es una película con tintes políticos y ambientada en la guerra, se enfoca en el componente humano de esta; es una historia romántica después de todo.

Vista desde la actualidad resulta fácil entender porque es una de las películas más populares de la historia, pues presenta todos los elementos narrativos y estéticos del cine clásico que aún perduran en la creación cinematográfica actual y la hacen una historia universal, tenemos  arquetipos reconocidos por las audiencias y  un canon narrativo, el del héroe: Rick quien se ve enfrentado ante una encrucijada moral y tiene que tomar una decisión: la de sobreponer sus sentimientos o hacer un sacrificio para contribuir a algo más grande que él, concluyendo la trama en la toma de la decisión “correcta”.

Casablanca es un filme carismático con todos los elementos de la fórmula del éxito de Hollywood, no es de extrañarse su inmortal popularidad.

Pinamar : la belleza de las historias casuales

Nos encontramos en Pinamar (ciudad costera de Argentina) donde llegan dos hermanos: Pablo y Miguel para vender el apartamento de su fallecida madre, lo que en principio parecía un viaje muy rápido para concluir con esta tarea se complica por la aparición de Laura; una amiga de infancia de los chicos ya que ambos se sienten atraídos por ella.

Si bien la muerte de la madre de los muchachos es el eje central de la película, la historia no nos es contada desde este punto, el problema se descubre un poco después del inicio del filme, así mismo la relación entre los personajes no se puede asumir desde la primera escena pues no hay imágenes que nos den indicios de lo que será la trama, la película nos arroja de entrada a un momento particular en la vida de los personajes, como si uno estuviese allí siendo testigo de la vida de un problema casual de personas casuales que no muy difícilmente encontraríamos en el mundo.

El filme busca sincronizarnos emocionalmente con Pablo, quien parece ser el más afectado de los dos hermanos, o eso se puede interpretar debido a varios aspectos formales del filme, como la fotografía compuesta por muchos planos generales que nos muestran a las personas pequeñas enfrentadas a la amplitud de su entorno, usualmente del mar, también el azul está muy presente en casi toda la película, que si bien contribuye a la atmósfera marítima de la ciudad donde se ambienta la historia, también imprime cierto carácter melancólico.

 Por otra parte los diálogos o más bien la falta de estos, igualmente contribuyen a la carga emocional del filme, pues parecen estar reducidos a momentos claves de la historia, momentos donde se deban revelar cosas importantes o la interacción visual y corporal de los personajes  no baste, de lo contrario nos encontramos con tales tomas tristes que se complementan con las interpretaciones pasivas de los personajes, incluso el papel de Miguel ,que a diferencia del retraído y tímido Pablo es extrovertido y alegre, no logra inundar las escenas con su emoción.

Lo apacible del filme parece cambiar hacia el final, cuando Pablo decide no vender el apartamento, cuando en un choque emocional de la nada cambia de parecer, de la opinión de la que se aferraba desde el principio, cuando al final logra hablar y ser honesto con su hermano y consigo mismo, sobre sus sentimientos, lo que significa el apartamento en Pinamar y lo que siente por Laura.

Al final del filme nos quedamos contemplando un plano general aéreo desde donde podemos distinguir a Laura y Pablo entre la gente, ¿y qué mejor escena para materializar lo que es el filme? Pues esto es Pinamar, una historia real de cualquier persona en el mundo, no hay pretensiones, no hay efectos exuberantes, ni diálogos brillantes, solo personas con las que nos podemos identificar.

(CORTE 2) Pinamar: Veraneos del pasado

Pinamar: Veraneos del pasado

La película que cuenta la historia de dos hermanos que regresan a la ciudad de sus recuerdos y su niñez, consta de un contraste muy apegado a la conducta social actual en la que estamos, son problemas para nada ficticios por los cuales todo ser humano pasa en algún momento, y es esto lo que hace de Pinamar recomendada para ver.

Lo que mas cabe destacar de Pinamar es su contraste entre el entorno y los personajes, Pinamar es una ciudad balnearia solitaria en épocas no vacacionales pero en sus días de verano es un lugar hermoso en sus costas, y este contraste junto con el de los dos hermanos y sobre todo el uso de grandes planos generales dan ese toque de relajación y un poco melancólico que ofrece la cinta.

El tiempo entre escenas es un poco lento, pero que el paso de secuencias sea mas que algo negativo es un factor que le da una cierta singularidad si se compara con otras películas que no usan muchos recursos, creo que fue necesario el uso de ese tiempo para demostrar la situación que vive Pablo frame por frame, un sujeto muy reservado y en constantes pensamientos por la muerte de su madre, y la venta del apartamento del que quedaron herederos el y su hermano Miguel, quien es todo lo contrario a el, alguien extrovertido y relajado. Entre recuerdos, romance y soledad, Pablo logra encontrar el amor de su vida y también de paso fortalecer la relación casi perdida que tenia con su hermano bajo el peso de la muerte de su madre,

El vestuario, el uso de cambio de planos y la ambientación están debidamente realizadas, la iluminación y su escenografía hacen que esta película sea vista como algo mas que una película de paso, su presentación que comienza con una escena silenciosa es lo que a falta de palabras sino solo imágenes nos narra como va a ser el desarrollo de toda la historia, sumergiéndonos al presente y pasado y dándonos cada vez mas datos importantes de lo que esta sucediendo. Uno de los aspectos que mas da forma a la narrativa de esta película, es el dialogo silencioso, que logro capturar sin texto ni voz la esencia de lo que se quería mostrar.

Los recuerdos idílicos y el presente revelado son denotaciones de toda la película, el pasado y el presente de la ciudad y de sus personajes marcando el paso del tiempo,con una buena actuación y no fue necesario el uso de efecto especial alguno, una historia recomendada que debe ser vista y que se siente real.

Autor: Daniel David Ladino Cardoza

FANTASENADO BAJO TORMENTAS. 2.CORTE

FANTASENADO BAJO TORMENTAS.

Las intenciones de las películas se basan en reflejar o imaginar   de distintas maneras la perspectiva de  algo que nosotros llamamos “mundo” El expresionismo alemán bajo tiempos de posguerra creo un rechazo al impresionismo y el positivismo lo cual conllevo a una nueva invención  muy distinta y anormal forma de ver el mundo. El Gabinete del doctor Caligari es un film mudo creado en 1920 por Robert Wiene, película que es considerada como la primera cinta expresionista de la Historia. El film es narrado bajo  una manera muy simbólica y creativa. La historia es contada por Francis, un ciudadano que investiga las muertes de su localidad asociadas con un sonámbulo  y el amo el Dr. Caligari.  Tiempo después su pareja Jane es secuestrada por Cesare (el sonámbulo) que al ser descubierto  huye y muere en una caída, en donde Caligari intenta huir y es seguido por Francis hasta un hospital mental en el cual es director, en  su oficina descubren libros que reflejan su obsesión con una historia antigua de un hombre que usaba un sonámbulo para asesinar personas, cuando Caligari regresa es capturado e ingresado a su propio hospital como paciente en donde un sinnúmero de acontecimientos anormales empiezan a suceder.

Esta gran narración tiene un gran valor simbólico en detalles tales como el Dr.  Caligari que resulta simbolizar el estado Alemán y como este tenía el poder de persuasión sobre un pueblo dormido (sonámbulo) para poner en marcha sus planes, además  del vestuario, los planos, y el escenario refleja el mensaje de la obra, diferencias en los personajes a raíz de su vestuario como lo podemos ver con Cesare y Jane. Cesare quien comete los asesinatos viste de color negro simbolizando la oscuridad, maldad y muerte mientas que Jane muestra un lado más humano y bondadoso es vestida de un color blanco, detalles en cuanto a maquillaje de Cesare el cual luce unas sombras en el contorno de sus ojos que hablan del problema  al no tener una  visión clara de lo que lo rodea, en fin  son maquillajes   característico de este movimiento, utilizan planos de cámara estáticos  dando una visión completa de lo que sucede, escenarios distorsionados y desordenados como el sentido de la moral de Cagliari y Cesare y por ultimo podemos ver como el lenguaje visual y el expresionismo de los actores nos proyectan una idea más clara de lo que pasa, un film que utiliza todos los recursos cinematográficos que tenían en ese entonces a su disposición  como los son el escenario, vestuario y maquillaje que destacándolos con viñetas oscuras produciendo un primer plano.

Simbolismo y creatividad en tiempos en los cuales las personas no soñaban ni dormidas, una historia a normal pero en cuanto a su significado no se despega de ha mucho con nuestra  realidad actual, es una cinta que en mi concepto me cautivo por su simbolismo y creatividad que en esa época un pensamiento diferente y tan radicales de admirar.

ESCRITA POR:

                     Diego Nicolás Sánchez 

NATURALISMO DIRECTO. 2.CORTE

                                               NATURALISMO DIRECTO

Ladrón de Bicicletas  película italiana de  1948 dirigida por Vittorio de Sica en la que se es narrada la historia de Antonio un hombre desempleado en plena posguerra la cual causo una gran depresión económica a él cual  se le presenta  una oportunidad de trabajo, pero necesita de la bicicleta que el había empeñado con anterioridad  debido a las carencias económicas por las  que el hogar estaba pasando, para recuperarla su bicicleta la  esposa de Antonio empeña las sabanas, un detalle que logra  evidenciar un notable nivel  de pobreza, con tan gran acto de amor por parte de la esposa las  esperanzas de Antonio regresan, pero el  aún sabe  que su situación no cambiara por completo pero sí que amortiguara un poco los problemas que lo rodean, es así que Antonio es contratado y  consigue su primer día de trabajo  que consiste en pegar carteles propagandísticos y sin saberlo en su primer jornada laboral ocurre el inicio de su des venturosa odisea que vive en  compañía de su hijo.

Un film que denota  el bajo nivel de presupuesto en la producción  y la utilización de escenarios reales, rodajes en exteriores con iluminación natural con tomas de cámara con ángulos a nivel de los ojos  con una importante  presencia de actores no profesionales, guionistas que producen  una historia basada en hechos de carácter cotidiano  que dan a entender  el afán de la sociedad  que   vive bajo la amenaza de miseria que causa la falta de trabajo, una historia que da a entender el que el  trabajar sirve para conservar la dignidad del hombre y el derecho mínimo a la felicidad y amor, son elementos que convierten a los protagonistas en actores con un gran detalle de realismo,  naturalidad humana y una realidad de una Italia  después de la segunda guerra mundial que es fiel acompañante de una historia dramática  en el que el ser humano está rodeada en una selva de cemento

En mi concepto compruebo que esta película es un claro ejemplo del neorrealismo italiano, un detalle preciso de esta historia es el protagonista que refleja la naturalidad humana con una gran puntualización  de sus gestos comprobando la visión del director en buscar personajes no profesionales para así proyectar una visión de carácter mucho más realista  además que es un film cargado de críticas en contra de la justicia, la diferencia de clases sociales, la religión y hasta la traición de los principios de cada persona en beneficio del bien común, un gran relato   que hace de esta película una proyección de una objetividad directa y precisa sin censuras y cohibiciones. 

ESCRITA POR:

                    Diego Nicolás Sánchez

PROBLEMAS PARA DOS. 2 CORTE.

PROBLEMAS PARA DOS.

La comedia, una gran forma de ver y concebir  el mundo en un formato   dramático   opuesto a la tragedia cargada de humor y un final feliz. Vida de perro, es un mediometraje mudo de 1918 con dirección y actuación de charles Chaplin que narra la historia de Charlot un vagabundo que roba comida para subsistir  y en su afán de sobrevivir intenta conseguir trabajo, pero fracasa, aunque llego primero,  en varias ocasiones se le es robada posición en la fila. Más tarde derrotado y frustrado se encuentra con (Scraps) un perro que es perseguido por otros perros hambrientos, y es ahí donde Charlot decide intervenir en la pelea y salvar al pobre perro que se convierte en su amigo el cual  proyecta la  misma problemática que el protagonista, ambos personajes son  embarcados  a vivir muchas aventuras graciosas e inesperadas  en un entorno muy triste para los dos, un nivel de pobreza  vista desde dos vidas que se ayudan de la  una a la otra.

En este film se logra evidenciar una escenografía correcta, con ambientaciones cotidianas y normales, con actores cargados de bastante expresionismo corporal que ayuda bastante   en la narración de la historia, un formato de tonos a blanco y negro que en mi concepto le da un toque mucho más artístico, el sonido hecho por Chaplin es la excepción porque no logra expresar correctamente las situaciones. Un detalle que hace esta historia más llamativa y armoniosa  fue el haber escogido un perro  callejero de raza “criolla” para reflejar la problemática de Charlot y así ver dos mundos diferentes bajo el mismo enigma.

En mi opinión esta historia resulta ser un gran film que denota la idea Chaplin de narrar una problemática social de una forma más jocosa y alegre, que nos libera del pensamiento de tristeza al estar bajo problemas tanto personales como económicos y nos invita a ser felices con poco y en este caso con un animalito que vive la misma odisea que el protagonista,  pero que desde que se conocieron con Charlot,  la similitud de ambas  pobrezas les crea una fraternidad del uno para el otro.

ESCRITO POR:

                      Diego Nicolás Sánchez

Pinamar: Ciudad de sentimientos 2 CORTE

Pinamar: Ciudad de sentimientos 

Pinamar es una película argentina dirigida por Federico Godfrid. La cual nos relata la historia de dos hermanos (pablo y miguel), los cuales regresan a la ciudad con el mismo nombre luego de la muerte de su madre, con el fin dar un último adiós, arrojar las cenizas de la madre al mar y vender un apartamento familiar. En su estancia los dos hermanos se encuentran con Laura una antigua amiga de miguel que los hará reconcentrarse con su pasado y volver a recuperar la relación que con el paso del tiempo habían perdido.

Pinamar nos muestra que no es necesario una historia súper detallada ni millones en efectos especiales para relatar una gran historia, a pesar de tener un presupuesto muy limitado el director se basta con unos personajes bien elaborados en un universo realista y una locación hermosa como lo es la ciudad de pinamar, para mostrarnos los devenires de dos hermanos sin llegar a aburrir al espectador. Se utilizan muchos primeros planos logrando así darle un efecto dramático a las escenas que lo necesitan y nos dejan denotar los sentimientos y casi los pensamientos de los personajes sin la necesidad de mostrarlos abiertamente.  La película puede llegar a ser algo lenta pero eso también le da algo de encanto, mostrando con pocas palabras, las diferentes situaciones que pueden llegar a ser tensiónates o dramáticas para los personajes  como por ejemplo el momento en que los dos hermanos estaban firmando para vender el apartamento.

La historia de pinamar a diferencia de muchas otras no busca dejar una enseñanza como tal, se centra en mostrarnos a personas comunes con una problemática que cualquier persona puede llegar a vivir en algún momento de su vida, logrando de esta manera una conexión entre el espectador y los personajes, quienes con sus sentimientos logran contrastar con la ambientación algo melancólica que se nos muestra.

En mi opinión la película logra contar una linda y simple historia, sin la necesitas de utilizar a muchos personajes o universos fuera de común, tampoco necesita un presupuesto mayor para atrapar al espectador durante 90 minutos. Logrando asi una gran película con un presupuesto mínimo.

Valentina Plazas 

como perros y humanos 2 CORTE

COMO PERROS Y HUMANOS

Vida de perro es un film realizado en 1918, dirigido y actuado por Charles Chaplin. Esta fue la primera película de una serie de 8 que gravaría alrededor de 5 años con la productora First Nacional. En la cual mediante del humor se nos muestra un paralelismo entre la vida de un hombre de La calle y la de un perro también callejero. Los cuales se ayudan mutuamente para sobrevivir a las adversidades del ambiente donde se encuentran.

 Charles Chaplin actúa como Charlot un hombre que por diversas circunstancias termina viviendo en la calle y robando comida para sobrevivir, al mismo tiempo se nos muestran cortas escenas de un perro callejero que se encuentra durmiendo en una caja mostrando la similitud entre las dos situaciones. Charlot busca conseguir trabajo en una oficina de empleos pero las personas que se encontraban esperando también por uno se lo impiden apartándolo constantemente de la fila, pese a que Charlot fue el primero en entrar, en las mismas escenas vemos como el perro que anteriormente se encontraba durmiendo en la caja se encuentra algo de comer pero de la misma forma como a Charlot los otros perros le quitan lo que consiguió. En su momento el perro y el hombre finalmente se encuentran en la misma escena. Luego de diferentes situaciones Charlot y su perro entran a un bar encontrándose con una bella mujer de la cual el hombre se enamora a primera vista y trata de sacarla del lugar.

Es en este momento que notamos como el objetivo del film se convierte en salvar a la chica de una “vida de perros” mostrándonos de forma más cómica que dramática, la explotación a la cual es sometida por el propietario del local, logrando con esto una crítica a este tipo de situaciones. Más tarde en la historia un millonario pierde su cartera con mucho dinero y Charlot junto con el perro la encuentran,  teniendo así un final bastante feliz donde logran rescatar a la chica y vivir una buena vida donde el antiguo vagabundo y el perro consiguen una familia.

El film hace una crítica muy marcada a la situación social de aquella época donde finalizada la guerra la situación de pobreza de vuelve muy complicada de sobrellevar dejando a muchas personas en situación de vulnerabilidad frente a otras con más dinero o poder mostrado esto en el ejemplo de la chica del bar. A pesar de ser seres humanos, el dinero y los estigmas sociales nos dividen de tal forma que una persona con menos recursos se visto no diferente a un perro o incluso menos y a pesar de que Chaplin lo dijo en su momento en la mayoría de sus películas, es una situación que hoy día sigue ocurriendo.

Valentina Plazas

Nosferatu, El Vampiro que perdura en el tiempo 2CORTE

Nosferatu, El Vampiro que perdura en el tiempo 

El expresionismo alemán aparece en el siglo XX como una respuesta a los estándares artísticos que se tenían en Europa para la época donde se buscaba representar las experiencias emocionales. En esta corriente surgen grandes obras de cine las cuales manejaban una temática y dirección artística similares. Para el año  1922 y dirigida por F.W Murnau se puede destacar una de las primeras películas de terror y vampiros. La cual aún hoy en día es la inspiración para muchas otras nosferatu.

La obra nos muestra como un agente inmobiliario le pide a un hombre llamado hutter viajar a Transilvania debido a que se piensa vender una finca que se encuentra cerca de los terrenos de la casa de hutter, el hombre viaja para cerrar el acuerdo con el conde Orlok. Durante el largo viaje hutter hace una parada en una posada donde encuentra sospechosos libros acerca de vampiros. Luego el hombre llega a la mansión del conde Orlok donde le ocurren algunas cosas extrañas y para la mañana siguiente se encuentra con que tiene dos marcas en el cuello, las cuales  el interpreta como picaduras de insecto y no les da importancia. Cuando hutter finalmente firma el contrato se entera que el conde en realidad es un vampiro y teme por su vida y la de su esposa.

Nosferatu es una de las películas de terror más icónicas del siglo XX mostrándonos una de las primeras adaptaciones al libro de Bram Stoker Drácula. Su personaje principal el conde Orlok causo un gran impacto para toda la cultura de vampiros tanto en el cine como en libros posteriores al de Bram Stoker, siendo incluso considerado como una de las especies de vampiros más fuertes y antiguas que existe.

A pesar del paso del tiempo y el cambio de épocas nosferatu es una película  altamente disfrutable la cual aún causa terror. El manejo de los ambientes oscuros y la atmosfera totalmente turbia deja en intriga al espectador durante toda la película, los planos cuidados y las luces utilizadas en la película son parte de su encanto, logrando integrarte dentro de la película.

Si bien los tiempos han cambiado y hoy en día lo que nos da miedo no es lo mismo que hace muchos años. Esta película a logrando mantenerse en los años como un clásico del cine de terror. El film puede llegar a ser algo complicado de ver, pero con un poco de paciencia y un gran gusto por el buen cine se puede encontrar una película a la cual muchas personas deberían ver si en algún momento desean pasar una buena tarde con cine antiguo, o algún director puede sacar gran inspiración sobre lo que es un verdadero vampiro y lo el miedo que criaturas como estas pueden generar.

Valentina Plazas Dávila

El Gabinete del Doctor Calligari: un oscuro mundo interior

Dos años después del final de la primera guerra mundial (1920) se estrena en Alemania El Gabinete del Doctor Calligari de la mano del director Robert Wiene, nos encontramos con una Alemania que ha resultado vencida, se encuentra sumida en la recesión económica, la incertidumbre política y evidencia una decaída moral en sus ciudadanos que se enfrentan a las secuelas psicológicas de la guerra. Paralelo a estos acontecimientos en Europa y con especial fuerza en Alemania se está desarrollando un movimiento artístico que no es ajeno a estos acontecimientos históricos ni a las dinámicas sociales del momento, el expresionismo, que es justamente el movimiento en el que la obra de Wiene encuentra un marco, siendo considerada incluso uno de sus mayores referentes en el campo cinematográfico.

La cinta como su nombre lo indica gira en torno a la figura del Doctor Caligari, un hipnotizador que viaja por distintos lugares de Alemania con el fin de presentar un espectáculo, donde exhibe ante la audiencia a un sonámbulo que aparenta ser de su propiedad llamado César y quien actúa solo bajo su influencia. Los hechos que componen la historia de la película se dan en un pueblo llamado Holstenwall, y se narran en retrospectiva desde el punto de vista de un hombre llamado Francis.

 La película presenta un atmósfera oscura y bizarra, un tanto surreal; el montaje se aleja del realismo, mostrando formas enrevesadas, con una perspectiva inusual, objetos alargados y deformados, la iluminación o más bien el poco uso de esta, genera un contraste fuerte pues las áreas oscuras predominan. El aspecto de los personajes va en sincronía con esta estética, sus rostros pálidos contrastan con la oscuridad de algunos de sus rasgos, de sus ojeras y sus labios, esto se complementa con lo teatral y expresivo de sus interpretaciones.

Todos estos elementos estéticos constituyen una historia fundamentada en el universo interno humano, pues cabe recordar que por la época de la creación y estreno de esta cinta, el expresionismo y sus diferentes manifestaciones artísticas buscaban explorar y expresar los sentimientos humanos y representar la realidad de una forma subjetiva, no es sorpresa que nos encontremos con que la mayoría de obras adscritas a este movimiento presenten deformaciones de objetos reales y  que predominen los colores vibrantes, también que el movimiento hay puesto sus ojos en la situación social de la época, rasgos que se pueden observar en alguna medida en El gabinete del doctor Caligari.

El filme nace con el propósito de hacer una crítica al gobierno Alemán de la época, la relación de Calligari y César sirve como una metáfora que representa la autoridad del gobierno y la obediencia ciega de sus ciudadanos, el hecho de que todos los acontecimientos de la historia sean producto de la imaginación de Francis quien al final resulta ser un paciente de un asilo (al igual que otros personajes) puede ser el reflejo la figura del ciudadano de posguerra, quien lidia con las secuelas psicológicas de hechos violentos y traumáticos y a su vez se enfrenta ante cuestiones existenciales.

La estética del filme, el giro final en su narrativa resultaron innovadores en su época, hasta el punto de conservarse tales elementos en la creación de películas en la actualidad, El Gabinete del Doctor Caligari justamente se ha ganado un papel difícil de reemplazar en la historia del cine.

Por Karen Juliana Espitia

¿El precursor del terror? segundo corte

En esta cinta se nos muestra la historia de Thomas Hutter el cual es un hombre de negocios que busca viajar a Transilvania para poder vender un terreno, Después de conseguir viajar se dispone a terminar el traro pero en su camino decide descansar en una posada en la cal encuentra información de vampiros.

Ya en terreno después de concluir con el negocio se revela que el conde es en realidad un vampiro y al darse cuenta de esto se empieza a preocupar por la vida de su esposa y por la de él; empezando así el inicio del terror y de las mejores cintas para su época.

El director utiliza la corriente del expresionismo alemán llegando a mostrar como vivía las personas su día a día con la situación social que los rodeaba la cual era dos guerras mundiales; mostraba ambientes bastante oscuros y sombrío mostrando la técnica de claro oscuro duran la mayoría de la película y utilizando diferentes técnicas para poder lograr centrar la atención en los personajes.

En mi opinión Nosferatu logra mostraron una gran adaptación de la novela Drácula indicando así el género del terror aun siendo una película muda y con los diálogos escritos logra su cometido de crear suspenso y hasta miedo generando al espectador seguir viendo la película.

A pesar de los años desde su publicación la película sigue siendo conocida y se cree una cinta que hace parte de la historia del cine y un clásico del terror mostrando como es en realidad un vampiro y el miedo que puede llegar a generar a las personas de su época y como la sociedad lo ha ido transformando hasta dejar un símbolo del terror y hasta quedando fuera del mismo género del terror. 

¿Ciudadano kane una obra maestra? segundo corte

La cinta de Ciudadano Kane nos cuenta que pasa después de la muerte de un multimillonario que había perdido toda si fortuna dejando unas últimas palabras en su lecho de muerte dejando una marca en un periodista que después de esto se le ocurriera idea de hacer un documental sobre aquel millonario que lo había perdido todo logrando descubrir diferentes aspectos de este en lo que transcurre la cinta.

En el film se nos muestra diferentes etapas de la vida Kane utilizando el flash back lográndonos mostrar como creció este; Para esto el director rompió con todo lo establecido en el cine de su época mostrando el final de la película al inicio rompiendo la típica estructura lineal de inicio, nudo y desenlace llegando a generar dudas a los espectadores que se podían llegar a confundir viendo dicha cinta, pero la cual las iba aclarando a lo largo de esta misma logrando llegar al punto de partida con la muerte de Kane.

Con los descubrimientos motrados en la cinta cada vez se lograba averiguar más de la vida del millonario haciendo que tanto el periodista como el público se adentraran más en la búsqueda de información de la vida de Charles Foster Kane; pasando desde su niñez hasta como llega a ser uno de los hombres más poderosos del mundo uniéndose al mundo de los negocios

Para mí la película logra trasmitir lo que ella quiere gracias a si gran guion ayudándose con la integración del narrador para facilitar la comprensión del espectador con todos los acontecimientos presentes en dicha cinta teniendo una fotografía muy refinada logrando conectar al espectador y así logrando conocer el significado de sus últimas palabras; 

(CORTE 2) Nosferatu: La enfermedad del pueblo

Nosferatu: La enfermedad del pueblo

Nosferatu, de Friedrich Wilhelm Murnau es una película hito de la historia del cine de horror, que posee música que siempre esta acorde y da una gran ambientación oscura y de terror; la personificación de los personajes es interesante y única y la gama de colores usada en esta siempre diferenciaba del día y la noche por medio del naranja y el azul.

En el acto uno de la película se narra inicialmente la vida de una pareja de esposos que vivían en Wisburg, en este acto Hutter, el esposo, termina yendo a Transilvania, el país de los ladrones y fantasmas, para venderle una casa a un conde, este parte de inmediato a contar a su esposa pero esta no estaba deacuerdo con su partida. Hutter debe dirigirse al castillo del conde Orlok y pasa una estadía en un hospedaje, ese mismo día es avisado que no debe salir cuando el hombre lobo esta cerca. Camino al castillo, la carroza de viaje en la que iba no decide avanzar ya que los conductores no se atreven a cruzar mas aya del paso y el puente, por lo que el decide bajar y termina encontrándose con un terrorífico sujeto que le ofrece llevarlo a su destino.

En el acto dos Hutter ya se encuentra en el castillo y es recibido por una persona de agrado petulante y sombrío. Hutter se encuentra cenando cuando de repente se hace media noche, Hutter se corta el dedo y se da cuenta que la persona quería su sangre. El despierta en la mañana pensando que todo es un sueño y que dos mosquitos lo habían mordido en el cuello. Es la media noche siguiente, y Hutter por un libro que encontró se da cuenta que esta con un “diablo”, la esposa al tiempo puede sentir todo desde lo lejos y parece padecer sonambulismo. Hutter empezó a indagar en el terror de sus noches, decide explorar el lugar y encuentra un ataúd, en donde descansa el conde. Luego de esto llevan al conde en carroza y carguero de camino a la nueva casa adquirida, que compro ya que deseo a la esposa de Hattor, Ellen, como su nueva victima.

En el acto tres tenemos a Hattor escapando y dirigiéndose lo mas pronto posible a salvar a su amada. Uno de los enfermos en un reclusorio resulta ser un vampiro, y este logra quitar una carta con advertencia de peste a un guardia, que detallaba que la gente en Transilvania con esta enfermedad tenia dos marcas en el cuello. Ellen se encuentra en un barco, y Nosferatu logra entrar a este como una plaga, infectando y matando a varios tripulantes.

En el acto 4 podemos volver a ver a Ellen sonámbula, el barco ya estaba plagado de muerte, y ella, en este estado decide salir a una búsqueda sin sentido. Nosferatu llega a la ciudad y sosteniendo su ataúd va camino a su nueva casa, pero Hutter logra llegar antes. La ciudad esta en peligro de sufrir peste ya que varios ataúdes del barco contenían ratas.

En el acto cinco, Ellen por curiosidad termina leyendo el libro que Hutter le pidió no hiciera, ya que para el fue aterrorizante. Mucha gente empieza a morir en la ciudad, y le echan la culpa a Knock, el enfermo que fue mordido, al cual persiguen pero este logra escapar haciéndose pasar por un espantapájaros. El conde Orlok consigue entrar a la casa de los esposos para ir por Ellen, mientras que ella fingía malestar y le pidió a el que trajera al doctor Bulwer; en lo sucedido, el conde muere a causa del amanecer ya que este se quema por la luz del sol y se vuelve cenizas.

Hay partes de la película que denotan una breve explicación y otras que carecen de conexión alguna con la película, como lo fue el hombre lobo que camino por el bosque, tema que no fue ahondado sino solamente nombrado.

La película carece de buen final, también pareciera que se queda mucho tiempo en el nudo, el mayor tiempo del transcurso de esta solo muestra el viaje del castillo a la ciudad del conde y no se centra mucho en el personaje principal, que es Huttor. El final es muy improvisado, sin embargo, el actor que hace del conde, hace un papel muy excelente, y esto creo que es la razón principal que hace de la película un gran referente del cine de terror actual. También, lo mas apreciativo del filme, es la gran semejanza que muestran entre la peste y el vampirismo.

Debe ser vista, ya que muestra la excelencia del séptimo arte.

Autor: Daniel David Ladino Cardoza

¿El ladrón de bicicletas una muestra de la sociedad? segundo corte

El ladrón de bicicletas se considera como una de las mejores cintas exponentes del neorrealismo italiano ya que esta película utiliza todas las características de dicha corriente mostrándonos de una forma muy realista como se encuentra la sociedad después de una guerra.

Utiliza varios métodos para adentrar al espectador a la historia de Antonio el cual lleva desempleado; En su búsqueda de trabajo encuentra el empleo de pegar <       carteles, pero teniendo la obligación de poseer una bicicleta la cual por su situación la había empeñado y después de diferentes situaciones logra recuperarla, pero con la mala suerte de que mientras está trabajando le roban su bicicleta.

El director nunca filmo en un estudio y con actores inexpertos logro así un ambiente más realista en las escenas

Logrando familiarizar a todo el público mostrando escenas de mucha crudeza por la situación por la que se encontraban algunas personas que llegan a rogar por un simple plato de comida o pelearse grandes multitudes por solo un puesto de trabajo porque sus familias necesitaban esos ingresos.

En mi opinión De sica logra su objetivo de mostrar la realidad vivida después de una guerra mostrando lo que tiene que llegar hacer la clase obrera para poder obtener un puesto de trabajo, aunque sea lo más simple para sobrevivir, pero después del impacto social y económico de una guerra llega a ser una tarea muy complicada por los bajos recursos de los que disponen y más si en el empleo exigen algo para poder ser contratado en dicho empleo; logrando mostrar el peor lado de la sociedad y de las personas mostrando como pueden dejar de impórtales cómo llegan afectar a los demás tan solo con conseguir su propio beneficio. 

(CORTE 2) Una Lucha entre clases

UNA LUCHA ENTRE CLASES

Metrópolis es un film alemán de 1927 dirigida por Fritz Lang y una de los primeras que puede ser considerada del genero de ciencia ficción. En esta se nos lleva a un mundo futurista del siglo XXI en el cual el avance de la tecnología ha dividido la sociedad en dos grandes y marcadas clases: los que viven en la superficie los cuales son una élite que vive a costa de la segunda clase, y los trabajadores, quienes sitúan sus casas en el subterráneo de la ciudad y trabajan día y noche para mantenerla en funcionamiento.

Metrópolis no solamente fue una de las primeras películas de ciencia ficción y por tanto una película necesaria para incursionarse en el tema, si no a demás también es una película con una gran crítica social hacia la explotación laboral que se da en diferentes partes de mundo después de la revolución industrial. Metrópolis trata entre sus temas principales el trabajo como alienación del individuo, de esta forma se nos muestran a los obreros que tienen que cumplir con horarios extremadamente largos, en condiciones totalmente insanas y con pagos muy reducidos. Por el contrario, la gente que vive en la superficie goza de diferentes lujos mientras no se tienen que esforzar de esa manera. Pero a pesar de estas condiciones los obreros se encuentran totalmente alienados, sin llegar a tener una conciencia real van a trabajar todos los días en un sinsentido del cual no logran despertar y donde al final se es representado como todas sus vidas acaban cuando mueren y no es más que avanzar a un sinsentido mayor como lo puede ser el infierno allí representado.

Otra temática importante tratada en Metrópolis es la lucha de clases concepto netamente comunista el cual es representado cuando la falsa María le habla a las masas y las convence de luchar por sus ideales pero a diferencia de la María real el robot lo hace de forma que los trabajadores comienzan a destruir toda la ciudad, causando con esto su propia destrucción. Pero a su momento los obreros se dan cuenta que fueron engañados por una falsa María y la tiran a la hoguera. Al final se muestra como la verdadera María junto con Freder el hijo del dirigente de la ciudad, logran llegar a una reconciliación entre las dos clases sociales haciendo que el dirigente de la ciudad y e capataz de los obreros se den la mano dando por finalizada la película y con un mensaje de conciliación entre clases.

Autor: Daniel David Ladino Cardoza

un historia sentimental

  un historia sentimental

Pinamar es una película argentina; la cual fue estrenada en 2016 y dirigida por Federico Godfrid, esta cuenta la historia de 2 hermanos que vuelven a la ciudad de su infancia por la muerte de su madre y gracias a esto optan por vender una casa en la que vivieron su niñez.

Lo curiosos es ver como los dos hermanos son tan distintos, ya que cada uno llevaba una vida diferente a la del otro, la inmobiliaria se demora con el proceso de la casa y ellos empiezan a relacionarse cada vez más con una amiga de la infancia, (la joven Laura).

Las cosas cambian de una forma drástica y lo que era un viaje en torno a la muerte y la venta de una casa en la que vivían los recuerdos de su niñez, se convierte en una aventura que los conecta con el deseo.

Estos 2 empiezan una lucha por conquistar a Laura, pero gracias a esto Pablo y Miguel reviven su relación de hermanos. Es interesante como en esta película le dan una idea al espectador, en la que el duelo y dolor por la muerte de una madre como tanto el descubrimiento del amor, podría asimilarse como si la vida quisiera decirnos que todo final es nuevo comienzo.

En lo personal este tipo de películas no me llaman mucho la atención ya que apunta más a los sentimientos, a lo emotivo, y a los encuentros amorosos a pesar de esto la película no estuvo tan mal.

Esta propuesta podría generar algo así como un déja-vu con respecto a algunas otras películas del cine argentino; ya que, por lo que leí, este film tiene alguna conexión con la filmografía de Ezequiel Acuña.

Hablando un poco más de la película podemos recalcar el tema del amorío de estos 2 hermanos, ya que casi por amor harían lo que fuera, y gracias a esto hubo un cambio drástico en la vida de cada uno, porque aun con la rivalidad que tenían aprendieron a llevarse un tanto mejor.

En cuanto a lo visual, me gustaría hablar de que en el film, implementan tonos fríos, lo cual le da un aspecto melancólico a esta obra, otro aspecto importante es la fotografía la cual está compuesta por planos generales y está en cierto punto es fundamental ya que nos muestra a los personajes y la amplitud del lugar en donde se encuentran, esto a mi parecer es algo agradable de ver además de esto hay que recalcar que  la falta de diálogos contribuye a la carga emocional de la película ya que esto genera más tención y un poco de intriga por ver que puede pasar.

Como lo mencione antes este tipo de películas no me gustan mucho, pero tenemos que dar crédito a las tomas como los paisajes, ya que eso es agradable a la vista del espectador y es lo que más me intereso de esta película. 

SEGUNDO CORTE: El ladrón de bicicletas: La cruda realidad de la postguerra

 

El ladrón de bicicletas: La cruda realidad de la postguerra

El largometraje considerado como el mayor exponente del neorrealismo italiano, dirigida por Vittorio de Sica en el año 1948, nos cuenta la historia de un obrero llamado Antonio Ricci, que está en búsqueda de un empleo, al igual que muchos hombres, para poder mantener a su familia, ya que se encuentran en una situación económica difícil debido a la postguerra. Un día Antonio logra conseguir un trabajo que consiste en pegar carteles por toda la ciudad, pero le piden como requisito tener una bicicleta que anteriormente había empeñado para poder darle de comer a su esposa e hijos; al enterarse que de nuevo necesitaría su bicicleta, Ricci va en busca de su esposa para comentarle la situación y deciden vender unas sábanas para conseguir el dinero necesario para recuperar la bicicleta. Al parecer la suerte de Antonio estaba cambiando para bien, pero todo da un giro inesperado cuando en su primer día de trabajo, un hombre le roba su bicicleta, así que con ayuda de su hijo Bruno salen a buscar por la ciudad al ladrón de la bicicleta a ver si logran recuperarla ya que es esencial para que Antonio vuelva a trabajar.

En el neorrealismo italiano no se buscaban actores profesionales sino gente representando la realidad que se estaba viviendo en el país, representando la cotidianidad para que de esta forma las películas llegaran más a la gente, por lo tanto también era necesario usar las calles como escenarios y el vestuario que usaban era de gente común y corriente.

Ladri de biciclette o El ladrón de bicicletas es una interesante película que nos permite ver la cruda realidad de un país después de la segunda guerra mundial, desde la mirada de tristeza del pequeño Bruno que expresa el desespero por querer vivir bien con el trabajo de su padre pero no poder debido a la falta de la bicicleta, hasta una gran cantidad de hombres desesperados intentando conseguir un empleo para poder brindarles alimentos a sus familias, personas empeñando todo tipo de cosas para conseguir dinero, mujeres pagando a una señora para que ore por ellas y que de esta manera que mejore su situación, entre otras cosas que nos demuestran la tristeza de estar viviendo en la miseria que llega después de la guerra.