THE ISLE OF PINGO PONGO ¿VICTIMA O VICTIMARIA?

Un corto animado de la Warner Brothers, presuntamente prohibida por su contenido altamente racista, nos muestra a manera de documental una isla paradisíaca, sus especies y sus tribus nativas. Todo esto lo hace un toque humorístico que a leguas se reconoce como el de la Warner. Y en eso nos centraremos en esta reseña, de cómo a pesar de las distintas condiciones socio económicas pueden variar con la época, cuando se tiene una identidad bien definida se puede sobrevivir en un mercado crecientemente competitivo, y una industria tan difícil como lo es la animación a través del tiempo.

Primero quisiera hablar del por qué esta animación fue prohibida, supuestamente por su contenido racista, del cual se dice que representa a la raza negra como inferior en todo sentido, desde la manera en que fueron dibujados como a algunos comportamientos. Y es que aunque estas críticas tienen su punto, en mi opinión son un poco exageradas. Sí, para algunos las personas negras en este corto son muy similares a los simios, y sí, en algún momento de la animación muestran como uno come una banana, lo que para algunos puede ser una descarada muestra de cómo se percibía el problema de raza que hubo en la época.

Pero no nos podemos quedar ahí, también hay que observar los comportamientos occidentales, y si se quiere blancos, que los isleños adoptan a lo largo de toda la caricatura, no solo ciertos frames, y es para mí eso vale más que las pocas indirectas que se presentan en la animación. Tenemos que entender que el cartoon pertenece a una época difícil por la segregación de raza, y esto no es culpa del director Tex Avery, además a mi parecer es más lo que se incluye a la raza negra en la animación, que de hecho son el centro de la misma, que lo que se remarca el racismo de la época.

Todo lo anterior, mostrando ya una firme y bien definida identidad, que han mantenido por años, ya que incluso sin ver el intro, es muy probable que se entienda que es un cartoon de la Warner, cosa que aplaudo, ya que es muy complejo y difícil no solo definir una identidad, sino mantenerse fiel a ella a través del tiempo.

Sin dudas un cartoon de calidad, teniendo en cuenta su año de creación (1938). Mantiene un sentido humorístico distintivo y disfrutable, que si se ve con la mente un poco más abierta, se puede apreciar una gran pieza de animación, injustamente prohibida.

Si deseas verla, la puedes encontrar en el siguiente link, cortesía de dialymotion.

http://www.dailymotion.com/video/x2m9s8s

VEREDICTO: VICTIMA DE SU ÉPOCA

Can’t stop the motion.

Can’t stop the motion.

En 1906, seis años depues de haber creado “The Enchanted Drawing”, J. Stuart Blackton realiza “Humorous Phases of Funny Faces”, primera película hecha con stop motion en la que se puede ver la mano del artista dibujando monton de rostros y figuras que empiezan a moverse.

La técnica del stop-motion es considerada como la técnica de animación más antigua de todas, y sigue siendo muy utilizada en publicidad, series, videos, y sobre todo en el cine, esta sucesión de imágenes fijas, capturas sucesivas que aparentan un objeto moviéndose, pueden lograrse solamente con muchas tomas de fotos de una cámara y un editor de video.

En su tiempo este método, el stop motion, usado anteriormente en sitios web dedicados a compartir videos, como Youtube, y su tan conocido Draw My Lyfe, en donde Youtubers y paginas realizaban esta clase de videos para contar su historia de una manera entretenida y única; esta película se basa en ello, muestra por medio del movimiento que pudo parecer un acto de magia en ese entonces para todo espectador que lo viera, narra su propia historia, cada trazo realizado por el artista no es solo una simple línea, es una cadena de movimientos que cuadro a cuadro nos está mostrando algo, y es que el público actual pierde su tiempo observando otras cosas, cuando en el gran esquema de las cosas hay mucho más que podemos ver y poner nuestra atención también, como lo es este corto.

Seguramente habrá causado un gran impacto en el comienzo de los 90, este film que aunque es ya más de 100 años antiguo, sigue siendo realmente asombroso, con esa gran idea de  Blackton de darle vida propia por si sola a sus dibujos, lo cual requirió de mucho trabajo manual, procedimiento artístico que requiere de mucha paciencia y tiempo, logro crear sketches de iluminación para este cartoon.

Recomiendo muchísimo ver este filme, que no solo muestra como una producción que al dia de hoy parece muy simple,  fue el primero de los efectos especiales tempranos en la historia del cine, y nos da a entender de como es que en grandes estudios cinematográficos, como Pixar, el espectacular trabajo que realizan, debe de comenzar desde un inicio, que va mejorando película a película, hasta lo que conocemos hoy en dia.

Creo que  es importante que todos debamos entender los humildes y simples comienzos de las películas de animación.

Autor: Nicolas Torres Echeverry

El mono relojero: a traves del tiempo

El mono relojero es un cortometraje de animación desarrollado en el año 1938, el cual fue dirigido por el artista Quirino Cristiani, uno de los primeros desarrollos de la animación con sonido implementado que existía durante esa época. En esta animación el protagonista es un mono, al que le gusta molestar los relojes, simulando que los arregla de verdad, sin duda un tema bastante humorístico, capaz de llegar a las diferentes edades cuando se inició su reproducción en salas de cine, sin mencionar que era un gran trabajo y algo nuevo en la época, generando un gran éxito para Cristiani y su estudio, y a la sociedad dejando uno de los primeros desarrollos en la empresa de la animación.



Una gran producción si tomamos en cuenta la fecha en la que se realizó, debido a que en aquella época no se contaban con las grandes maquinarias y tecnologías que tenemos en la actualidad, las cuales son utilizadas por los artistas hoy en día en sus obras, y es que se puede evidenciar como se ha avanzado en las técnicas de la animación, sin mencionar que las nuevas tecnologías permiten a los artistas darles a sus obras una mayor calidad con cada año que pasa.



El mono relojero es una gran producción y aunque para la sociedad actual, ya le parece algo anticuado, podemos compararlo con los nuevos desarrollos que hay en la industria, teniendo en cuenta producciones como las caricaturas, las grandes películas de animación, que en un inicio fueron en 2D, y hoy en día las animaciones tienen un estándar de desarrollo en la tecnología 3D, y la animación seguirá modificándose y evolucionando con el paso de los años, siendo así que para una futura generación, las animaciones que nos marcaron a nosotros, serán anticuadas para ellos, y es aquí donde se destacaran las obras que marcan un antes y un después en el tiempo, la obra de Quirino es sin duda alguna de esas obras, que sin importar el tiempo que pase, seguirá marcando un punto decisivo en el desarrollo de la animación.

Autor: Hector David Ruiz Duque

Otik, Un problema con raíces

Little Otik es una película escrita y dirigida por Jan Svankmajer la cual está basada en un libro checo de Karel Jaromir.

Esta película nos cuenta una historia sobre una pareja que por problemas de infertilidad, deciden cortar un pedazo de tronco en forma de bebe y tomarlo como hijo, haciendo que este cobre vida a causa de la obsesión que su “madre” llega a tener por darle los cuidados que se le darían a un hijo de verdad. Aunque la trama sea realmente algo sencillo como lo es plantear que un bebé se llegue a comer todo a su paso, tiene mucho significado detrás; no solo el que le da el director Jan Svankmajer, sino también como lo pueda ver el espectador. Svankmajer crea un mundo donde los objetos inertes cobran vida teniendo personalidad y resaltando las ansias de comer del hombre primitivo; aunque si bien tienen algunas  características realistas de lo que hoy  día es un bebé (Como lo es: no poder hablar, recurrir al llanto cuando se necesita algo, no ser consiente de muchas acciones que realiza, etc..) solo que lo lleva a algo más macabro.

Svankmajer busca romper con la visión racionalista de la realidad, bajo unas metáforas simbolizadas por criaturas fantásticas, en este caso Otik.

Ahora,  hablando desde el  punto de vista del espectador, se podría comenzar pensando desde el umbral de la “Locura”,  ya que se puede pensar: “Que gente tan loca, como van a cortar un pedazo de madera y simular que es un niño de verdad, ni que fuera la historia de pinocho”, pero en cambio sí existen personas que les emociona la idea de ver como mutilan a otras. ¿Por qué no han de existir personas que quieran a un pedazo de madera como hijo? Aunque si bien,  no todos los que vean el corto conocerán casos más extremos o más locos, entonces se quedaran con la idea de que la historia parte de una pareja que está loca; pero avanzando en la historia lo que realmente nos llama la atención o bien nos podría llegar a aterrorizar, es la idea que el pedazo de madera cobre vida y comience a comerse todo, incluso personas. Pero hay algo que nos podría sorprender aún más, es el hecho de que la niña, otro personajes de la película ve esta situación como algo normal y ayuda a que este “monstruo” para que pueda seguir viviendo proporcionándole comida, he incluso ayudándole con el higiene.

Al parecer la niña lo único que le importa es que Otik siga viviendo, por ello no le importaría sacrificar a sus padres como alimento para este “Monstruo”. Pero ¿Por qué a la niña no le importaban sus padres?, ¿Otik significaba algo más para ella que sus padres?, ¿O bien cree que esta medita en un cuento?, esta clase de preguntas comienzan a surgir por el método que ella utiliza para decidir quién será el almuerzo de Otik, siendo algo muy aleatorio con unos cuantos fósforos, pero en estas opciones incluía a sus padres.

Para concluir diré que es una historia bastante interesante, que da para analizar desde varios puntos de vista; la verdad yo lo veía por el lado de la política siendo el estado representado por Otik, por el hecho de que el estado es lo que es gracias a nosotros, las personas le damos el poder al estado; lo cual se vería en la manera que Otik gana superioridad al consumir grandes cantidades de personas simbolizando su alimento que equivaldría al erario público producto de los impuestos que pagamos todos, es decir sin las personas que Otik utilizaba como alimento, ese monstro que a todos les daba miedo enfrentar no existiría.

Tu pediste tu bendición -Reseña little otik (Jan Svankmajer)

Tu pediste tu bendición -Reseña little otik (Jan Svankmajer)

El film de Svankmajer es bastante particular, en este nos muestran la historia de una pareja que no puede tener hijos, una mujer está deprimida porque tanto ella como su marido son infértiles, a causa de esto el esposo toma un pedazo de raíz y lo corta en forma de niño (algo así como una burla al saber que no tendrán descendencia) Ella toma la raíz como si fuera su bebé y esta cobra vida; Pero su apetito es mucho mayor que un niño normal y esto provocara problemas en esta “familia”.

Little Otik es una película basada en un cuento de la Republica Checa titulado “Otesánek”, en el que una raíz con forma de niño cobra vida y comienza a devorar todo a su paso, al tiempo que tararea una canción en la que lista todas personas que se ha comido, prácticamente Otesánek es un omnívoro homicida.

Esta obra es algo grotesca y tétrica, pero a pesar de esto su temática está muy bien elaborada y es una gran propuesta cinematográfica ya que esta película en lo personal me gusto, es algo así como un cuento de hadas surrealista macabro y que trata la comedia de una forma rara.

A pesar de que está basado en un cuento, la película no es para niños, pues aborda temas en lo cuales se pondrían considerar “adultos”, como la infertilidad y la pedofilia, este último se le trata de forma sutil, aunque para mi gusto no deberían haberlo agregado, a pesar de esto, el film es bastante interesante ya que tanto personajes como efectos no te dejan quitar la vista de ella ni un momento.

Algo que podemos recalcar de esta película es el surrealismo y el stopmotion, son 2 temas que en la película aplicaron bastante bien y lo hacen tan llamativa.

El film nos da la idea de que un individuo casado y con hijos es una persona realizada y feliz (algo así como estar obsesionados con tener hijos) ,la mujer del film al no poder engendrar trato de cuidar a otik y darle todo su cariño como si fuera su verdadero hijo, pero después nos muestran que no todo es como lo pintan, ya que nos dejan bien claro incluso con la sátira cinematográfica , que está tan presente en la obra, no todo lo que quieres te hará bien y pues después de tanto, a ellos les llego su bendición que tanto querían pero que les ocasionaría muchos problemas.

Además de todo esto, algo que le da más interés al film es como Alzbetka (la pequeña vecina) empieza a cuidar de otik cuando los “padres” o mejor dicho el padre, se ve bastante agobiado por los problemas que causa este pequeño monstruo, y la llevan a tomar unas decisiones bastante certeras, pero a la vez macabras culminando con muchas tragedias.

Fantasías infinitas

FANTASIAS INFINITAS

Película Francesa filmada en 1902, formato de colores blanco y negro muda basada en hechos fantásticos de ciencia y ficción, escrita por Gastón Meliés y dirigida por su hermano  George Meliés, película que se basa en las dos novelas escritas por Julio Verne las cuales son: de la tierra a la luna, y los primeros hombres en la luna, película que hoy en día es reconocida popularmente en la Historia del Cine como unas de las mejores creaciones de ciencia y ficción de George Melié  con una durabilidad de 14 minutos con 12 segundos en donde la fantasía y creatividad de la época son de otro mundo.

Película con temática y ambientacion creativa y fantástica hecha manualmente en donde el concepto de creatividad no tenía límite alguno, una temática de irrealidad e ilusión en torno a los conocimientos de la época, unos prototipos e ilusiones de científicos como magos y astrónomos de ese entonces planeaban el viaje a la luna, creando así la máquina o cañón gigante el cual cumpliría su soñada aventura, después de la planeación y construcción del cohete forjado manualmente por trabajadores comunes, los astrónomos se embarcan en su deslumbrante capsula y son metidos en un cañón gigante apuntando hacia la gran esfera blanca la cual fue su inspiración para tan grande osadía astral, se es disparado el cañón y colisionando en ojo de la cara de la luna, al bajar se ven rodeados de unas muy grandes nubes caseras, se bajan y se aventuran a un sin fin de acontecimientos ilusorios que siguen dando pie a más fantasías que en la época fue un paso infinito a lo que hoy por hoy es la industria de ciencia y ficción que sigue y seguirá dando a luz a infinidad de temas y proyectos que deslumbraran nuestras mentes.

En mi concepto el mágico mundo de la ciencia ficción no tendrá límite alguno, siempre va a existir una mente inventiva que bajo proyectos y pensamientos surreales crearan por siempre un futuro el cual un infinito solo será el comienzo a maravillosas y deslumbrantes realidades las cuales nos transportan perpetuamente en un mundo infinito rodeado de pensamientos libres que dan origen  a  un sinnúmero de fantasías extraordinariamente ilimitadas.

Autor: Nicolás Sánchez.

TIERRA DE SANGRE

“La Cerca” Cortometraje Colombiano escrita por Rubén Mendoza, con formato de proyección de 35 MM bajo escenarios rurales a color. el cual deja ver un problema familiar entre Padre e hijo bajo una guerra bipartidista, una situación conflictiva producida a causa de  una herencia dejada por la Mama de Francisco para él y su padre,  la cual nunca será compartida por los dos, diez años después y bajo el compromiso de que en el último día del año derrumbarían  la cerca que los dividían, se produce la disputa final. historia  enmarcada por el alcohol y violencia.

Problema que se da en un ambiente rural fiel confidente del conflicto familiar entre padre e hijo que se manifiesta primero atraves de los sueños de Francisco (hijo) pensamientos subjetivos que demuestran sus profundos pensamientos de violencia y drama que tiempo después pasan a ser compartidos en la realidad para su padre, una cerca símbolo de su disputa e inconformidad de la herencia que les ha dejado la Esposa de uno y Madre del otro, después la madre  decide dejar en claro un compromiso el cual se trata que después de diez años de su muerte el último día del año ellos deberán derribar esa cerca y compartir o de lo contrario sus terrenos pasaron a manos del gobierno local, pasados esos diez años ellos deciden entablar una conversación y dar solución pronta al problema que los acongojaban, una relación muy distante entre ellos pero que dejaba demostrar una confianza muy visible al ver que  Francisco tenía una bandera blanca que significaba la protección frente a los enemigos y protestantes del bipartidismo, bandera blanca que no daba con el frente de la casa de su padre lo cual demostraba una confianza notable entre ellos. Un problema puesto en la mesa y con el idioma preferido de ellos (el alcohol) decidirán de una vez derribar la cerca, fin del conflicto que Francisco no decidió cumplir; pasado un tiempo y después de varios de tragos llega el fin de año y la finalización del problema en donde  debían destruir  la cerca, el padre decide cumplir con el compromiso dejado por su esposa, Francisco actuando  como  su Progenitor cuando mataba a más personas para tomar sus tierras, culmina dando muerte a su propio padre.

Una muy notable violencia territorial, narrada en 20 minutos muy breves que de igual forma traduce una problemática nacional muy cruda, un contexto rural narrado desde un ámbito familiar rodeado de un solo problema y dividido por una cerca la cual dio fin a una relación de padre e hijo, un territorio que sigue siendo sembrada de sangre por un descendiente digno de su lenguaje ardiente.

Autor: Nicolás Sánchez

Alicia:¿una entrada al surrealismo?

Alicia fue un film hecho por el director Jan Svankmajer ,El no busca mostrar su propia versión del cuento que fue escrito en el año de 1865 por Charles Lutwidge;El busca mostrarnos un mundo lleno de surrealismo el cual se ve muy influenciado por los sueños mostrándonos animales fantásticos y lugares fueras de toda lógica dándonos un ambiente como si fuera para un publico infantil aun teniendo mensaje que solo los adultos podrían entender.

Jan Svankmajer nos quiere que este película sea un cuento de hadas o algo fantástico sino queriendo llegar al subconsciente de las personas y su protagonistas teniendo durante lo que dura el corto muy pocos diálogos pero sin perder su protagonismo y dándose a entender todo lo que quiere trasmitir con sus acciones y la banda instrumental que acompaña a la película ya sea una canción o varios sonidos de  los elementos que se ven incorporadas a la historia detallando con gran claridad todos los objetos que se ven transformados por el surrealismos a pesar de su cotidianidad en su época.

La historia busca mostrar diferentes situaciones en las cuales el publico debe buscar un significado diferente para poder entender con claridad todo lo que nos quiere mostrar y adonde quiere llegar la obra de Jan Svankmajer; agregando una animación de gran nivel que llega a todos los públicos llevándolo aun mundo fuera de toda lógica humana y adentran dolo a un nuevo mundo.

A mi parecer es una gran obra si se logra entender todos los mensajes que nos quiere dar y también entrando al surrealismo que el director nos busca adentrar para poder entender nuestras vidas de otra manera pidiendo así el espectador pueda interiorizar por todo lo que a pasado en las diferentes ocasiones de su vida ya sean experiencias agradable o hasta traumatices pero que entienda que todo tiene un sentido y que aun que parezca fantasía lo que a uno le pase sigue siendo la triste o alegre realidad en la que vivimos pero sin dejar ver siempre el mejor lado de las situaciones.

¿En qué mundo vive Alicia?

¿En qué mundo vive Alicia?

Alicia (1988), un extraordinario film del director checoslovaco Jan Švankmajer, en el que no solo nos muestra una visión original de la reconocida novela de fantasía, escrita en 1865 por el británico Charles Lutwidge Dodgson, conocido como Lewis Carroll, sino que nos muestra un mundo surreal, influenciado por los sueños.

Las aventuras de Lewis Carroll en el país de las maravillas no son para nada un cuento de hadas, ni una fantasía, como no lo muestran. Es una mezcla de simbolismos y de la parte inconsciente de su protagonista, al principio podría parecer algo totalmente absurdo, pero sin duda alguna una pieza para nada realista, la cual fácilmente tendría la aprobación de Breton, Dali, Magritte, entre otros.

Una obra surrealista muestra objetos familiares o palabras juntas para que se conviertan en cosas extrañas, pero cargadas de mucho significado.

Esta increíble animación, fuente de inspiración para posteriores directores, respeta tanto grandes como chicos, invitando a los adultos a revivir su infancia y adentrarse en su interior.  

Alicia, una niña que, como cualquier otro infante y curiosa por la vida, deje volar su imaginación encaminándose en una serie de circunstancias muchas veces absurdas, pero con toques psicológicos manifestados por animales, en este caso un conejo y un ratón, quienes acompañan su viaje y   

elementos como un naipe y un reloj, que se pueden interpretar respectivamente, como el azar de la vida y el tiempo.

Es indiscutible el realismo mágico en el que nos envuelve este director, nos cuestiona, nos muestra una forma diferente de ver las cosas y tal vez, pareciera que fuera un grito, un grito hacia los mundos perfectos, en los que siempre hay un final feliz y porque no, una crítica directa a la versión de Walt Disney (1951), en el que se presenta una adaptación enfocada más hacia los niños.  

Si realmente quiere conocer a una Alicia más real, tangible, sin dejar de lado su mundo colmado de maravillas, este es el film correcto, para dejarse llevar, cuestionarse, creer que con pocos recursos tecnológicos se pueden lograr cosas increíbles, que nuestras ideas no tienen limite y que en los sueños podemos encontrar un rompecabezas que si lo sabemos descifrar encontraremos la respuesta a muchas incógnitas.

Y como un fuerte seguidor del surrealismo que soy, diría: deja volar tus sueños, vuela despierto, pero cuando duermas, sumérgete y disfruta del mundo fantasioso que tú mismo creas.

Andrius La Rotta 

La perturbadora Alicia de Svankmajer

Para el año 1988 se registraban más de veinte adaptaciones[1] cinematográficas y televisivas de la obra de Lewis Carroll Alicia en el país de las maravillas incluyendo tres producciones animadas de los estudios Fleischer (1934), Walt Disney (1951) y Hanna Barbera (1966). Es este mismo año que una versión peculiar de esta historia ve la luz de la mano de Jan Svankmajer, un creador cinematográfico checo.

La mayoría de dichas adaptaciones son de carácter fantástico, se observa la existencia de lugares imaginarios con animales y objetos antropomorfizados además de atmósferas y efectos propios de una historia aparentemente escrita para un público infantil.

La versión de Svankmajer adquiere un tono diferente a pesar de tener tales elementos y de permanecer fiel a la historia literaria, pues aunque es la misma Alicia que concibió Carroll, es una interpretación diferente.

La historia está narrada por Alicia quien tiene muy pocas líneas, pero se le da toda la atención con planos detalle a su boca, el filme no está musicalizado, pero aun así predominan los sonidos de los elementos que intervienen  en el filme, también se documentan todos los objetos que a pesar de ser cotidianos están dispuestos de tal forma que componen escenas surrealistas.

A primera vista el filme resulta un tanto perturbador por sus propios atributos estéticos, la historia es el producto de una imaginación infantil y vívida, pero se nos presenta en un tono pálido, los sonidos pueden resultar abrumadores en algunas escenas al igual que la mayoría de los objetos y la forma en la que cobran vida; esqueletos de animales, muñecas e incluso comida. El conejo blanco que persigue Alicia no es una criaturita esponjosa que muchos niños quisieran acariciar y tener como mascota, es un animal disecado y con dientes un tanto amenazadores que come viruta compulsivamente. 

Cabe preguntarse, sin embargo, si lo perturbador de la película está en la película misma o en el hecho de que lo fantástico se presente usualmente de forma idealizada, los objetos se embellecen y cobran vida de una forma empática y humana, las historias dejan lecciones; el bien triunfa sobre el mal. En las palabras de Svankmajer:

“El arte para los niños existe para obligarles a desear o querer algo que les es completamente ajeno. Los niños son crueles y lo que más les gusta es cualquier cosa que les haga rebelarse, pues, por naturaleza, se resisten a ser domesticados; se resisten a la represión que necesariamente el mundo adulto ejerce sobre ellos."

Por comparación el filme del 88 va a resultar extraño ante el ojo colectivo, por eso es común encontrar en la fichas y descripciones de esta película que es una “versión oscura” del cuento clásico.

Puedo estar de acuerdo con esta descripción parcialmente, no es una versión o interpretación oscura del cuento o por lo menos no intencionalmente, no fue creada para perturbar sino para enseñar al espectador un nivel profundo de la mente humana, que puede resultar perturbadora y oscura por si misma, pues es un territorio poco explorado y no muy aceptado en la cultura popular. Cada objeto, cada criatura y ser que Alicia encontró en el país de las maravillas estaba en su habitación, fueron los mecanismos de su inconsciente los que les dieron vida y orquestaron toda esta fantasía que se sintió muy real. Su creador es un surrealista y no se puede esperar menos de uno, que mejor tema a tratar por un explorador que está “sobre la realidad” que el de los sueños.

Es verdad que muchas veces la realidad supera a la fantasía y esta película no falla al explorarlo, me atrevo a decir que es de hecho, una versión que se acerca bastante a la realidad, a la forma en la que se experimentan los sueños y lo bizarros que pueden llegar a ser. Si alguien quiere tener una experiencia chocante y más allá de lo real este film puede resultar muy útil en ese propósito.  

por Juliana Espitia

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[1] http://www.teknoplof.com/2014/03/06/evolucion-cinematografica-de-la-alicia-de-lewis-carroll-desde-1903-hasta-2013/

El mono relojero: Recuerdos de un gran artista.

El mono relojero: Recuerdos de un gran artista.

El mono relojero es una película de animación de Argentina en blanco y negro dirigida por Quirino Cristiani según guion de Constancio Vigil que se estrenó en 1938. Las voces y otros sonidos fueron realizados por el actor Pepe Iglesias.

De este corto cabe destacar por supuesto el arduo labor y papel de Quirino Cristiani. Este caricaturista y artista director de animación italiano, que basaba todas sus creaciones en la sátira política, drásticamente no solo es el creador del primer largometraje animado conocido como El Apostol y también del primer cortometraje de animación sonoro conocido como Peludópolis, sino que también el pionero que dio la base de los que es hoy la animación.

 Aparte de realizar tales cosas en suelo Latinoamericano que en si ya es toda una proeza, trajo a la historia importantes cortometrajes y filmes de animación que llevaron de gran esfuerzo en su pequeño pero gran estudio y laboratorio.

A pesar de lo abrumante y totalmente difícil que es tener que realizar una animación en aquellos tiempos, Quirino Cristiani logra hacerlo y de una manera muy profesional. La fluidez de la animación que tiene la cinta, que, para ser de esa época, y con tan poco buen material de producción anteriormente que como el que tenía Disney en esos tiempos, posee unos detalles muy bien hechos usando en esta animación los acetatos popularizados ya en Estados Unidos.

De los pocos fragmentos que tenemos de Cristiani, está el mono relojero, un corto infantil que narra el escape de un mono de su dueño en una tienda de cachivaches y relojes, es entretenido y muy bueno para los estándares de la época, asemeja mucho el trabajo hecho por otros animadores como Walt Disney, posee una caracterización única de los personajes, genera cierto humor y su música esta acordemente implementada, lo único que a mi parecer fue más algo un poco negativo de la película, fueron las voces, ya que estas no se entendían en su totalidad.

A pesar de que esta animación no fue hecha en su totalidad por Cristiani, es una de las pocas cosas que quedaron de todo lo que se perdió de este gran animador no tan tomado en cuenta, en donde sus obras por motivos políticos fueron causa de su quema ya que el basaba toda su experiencia en la “burla” de este tema, y es muestra del gran talento que poseía, recuerdos del pasado que nos hacen admirar lo que es la animación.

Autor: Daniel David Ladino Cardoza

El Mono Relojero, una realidad que afrontar.

Es una película argentina del director Quirino Cristiani, la primera película animada en este país donde se cuenta la historia de un mono el cual ayuda a un relojero en su tienda, a este mono no le agradaba estar allí, pues se sentía aprisionado y privado de su libertad, por esto decide escaparse y vivir a su antojo caminando por la vida sin preocupaciones o eso pensaba hasta que se empezó a estrellar poco a poco con la pura verdad de lo que es vivir por su cuenta o ser "libre".

Sus primeros momentos en el mundo fuera de la tienda de relojes fueron simples y concretos, aunque llenos de emoción de probar la libertad cuando empezaron a aparecer diferentes problemas como el hambre y los peligros de este amplio mundo, que atreves del tiempo empezaban a hacerse cada vez más y más grandes.

La mejor manera de interpretarlo en mi opinión es de cómo la gente quiere cada vez más independizarse sin siquiera tener una mínima de lo que realmente es vivir y valerse por su propia cuenta sin ayuda de nadie más, en especial los hijos a los que sus padres les dan todo, las costumbres de estas generaciones se basan en tan solo pedirle cosas a sus padres sin saber lo que es luchar y esforzarse para poder ganárselo, esto se mal interpreta ya que no saben cómo es realmente y consideran poder vivir por su cuenta teniendo una buena calidad de vida con poco sacrificio.

Considero que los padres o las personas que son la cabeza de la familia deberían enseñarles a poder valerse por su cuenta, como poder ubicarse y así saber hacia dónde queda su casa y que transportes les pueden servir. De igual manera saber controlar sus gastos, ya que muchas personas por este detalle fácilmente se quedan cortos de dinero a final de mes y sin tener si quiera para comer o para los transportes por un simple gusto que se dieron en ropa o muchas otras cosas más.

En si la película no es buena, pero desde mi punto de vista el cual he dejado en esta reseña me parece que deja una buena enseñanza de la importancia de poder valerse por si solo, saber valorar lo que se tiene y no esperar a perderlo para saber lo que se tiene en esta vida.

Quirino Cristiani: un visionario que estuvo por delante del más grande

Por muchos años, la historia del séptimo arte le ha contado al mundo que el primer largometraje de dibujos animados de la historia lo creó Walt Disney, y por supuesto, al escuchar un nombre tan relevante en dicho medio, todos los que han escuchado esta afirmación lo dan por cierto. Pero bastaron algunos recuerdos lejanos de unos pocos hombres que se desenvolvían en este medio, para rescatar del recuerdo, aunque el mundo en primera instancia lo dudara, a un italiano nacionalizado en Argentina de nombre Quirino Cristiani, es a quien se ha logrado colocar en el galardonado lugar que le corresponde como el verdadero padre de los largometrajes de dibujos animados en la historia de la humanidad.

Este visionario del movimiento en la pantalla grande, desde muy joven aprendió a dibujar y se abrió campo en importantes periódicos y gacetas con sus caricaturas impregnadas de sátira política, lo cual lo hizo ganar gran reconocimiento en corto tiempo; de tal manera, que un día Federico Valle le pidiera un trabajo y al ver las caricaturas ya terminadas, le dijo: “Cristiani, el dibujo está muy bien. Va a tener éxito. Pero el cine es movimiento, no admite un dibujo fijo. Hay que darle movimiento, hay que mover eso”.

Esta frase se convirtió en el reto para un hombre inquieto, que se dedicó a buscar la forma de transmitir movimiento a sus dibujos, logrando en primera instancia trasmitir movimiento mediante hilos a sus caricaturas recortadas, para que sus extremidades tomaran vida.  Más adelante, y con el avance de la técnica, se inclinó por el acetato que permitía mejores resultados.

Su primer largometraje: “El apóstol”, fue una sátira política al presidente del momento, Hipólito Yrigoyen, y tuvo tanto éxito desde su estreno el nueve de noviembre de 1917, que duro casi un año en carteleras.  El siguiente año, realizo “Sin dejar rastros” su segundo largometraje, que no logró la fama del primero y por cuestiones diplomáticas fue secuestrado por la policía. En 1923 y 1924 realizó dos filmes del boxeador Luis Angel Firpo; en 1924 realizó Humberto de Garufa; en 1925 realizó dos cortos sobre cirugías, en 1931 realizó “Peludópolis”, nuevamente satirizando al presidente Yrigoyen; y en 1938 estrenó “El mono relojero”, un corto sobre un mono que hace crítica a la corrupción de la clase política, en el que un mono intente vivir de la venta de relojes en mal estado.

La pregunta que nace en este momento es: ¿Si Cristiani dejó todas estas creaciones, porque su obra se sumió en el olvido?

La respuesta es muy fácil de encontrar, bastaría una de varias nefastas vueltas del destino que se turnaron para desaparecer tan importante obra: Primero, “Sin dejar rastro”, fue confiscada por las autoridades y desaparecida; como si fuera poco, su estudio sufrió dos incendios, uno en 1957 y otro en 1961, que destruyeron la mayor parte de su obra; y finalmente, ese aspecto natural de la mala memoria de los pueblos de América latina, que olvidó al padre de los largometrajes, porque no podemos creer que el vecino al que hemos visto crecer a nuestro lado pueda ser creador de algo de importancia, o porque a causa de la envidia, decidimos no apreciar su grandeza.

La principal de sus obras que sobrevive aún es “El mono relojero”, sin embargo, algunas hemerotecas y algunos noticieros de la época probaron sin dejar espacio a la duda que alguna vez en una región olvidada de América del Sur existieron “El apóstol”, “Peludópolis” y “Sin dejar Rastros”, además existe un hecho que acaba de realzar la grandeza de Cristiani y fue que el mismo Walt Disney, cuando viajó a Argentina quiso conocer su obra, confirmando con este acto a la humanidad que aún el más grande quiso conocer al visionario que fue capaz de adelantársele. 

¿Algún día estaremos seguros de cual fue realmente el primer largometraje animado y quien fue su creador?

Autor: Paola Tejada Buitrago

UN DESEO BASADO EN LO SURREAL

UN DESEO BASADO EN LO SURREAL

(Little otik)

Little otik una película creada en el 2000, basada en una historia del folclor popular de Checoslovaquia dirigida por el animador Jan Svankmajer este mismo país.  En esta se nos muestra como una familia al enterarse que no puede tener hijos queda completamente devastada, y por este motivo el esposo en búsqueda de alegrar a su esposa le entrega una rama en forma de niño, a la cual la esposa  comienza a tratar como si fuera su hijo y con un tiempo esta cobra viva comenzando a comer insaciablemente.

 Atreves de todo el film podemos presenciar una mescla de surrealismo y stopmotion que te dejan completamente anonadado frente a la pantalla tratando en un principio de comprender a donde se dirige esta historia y luego sorprendiéndote con las decisiones que toman cada personaje. Si bien la película es más una historia de terror casi basada en el gore, no deja de ser cautivadora y atrapante, las escenas en stopmotion son bastante sorprendentes y le dan a la película un interés mucho mayor, adentrándote en la historia del pequeño otik desde el principio.

Los personajes en el film son bastante realistas en un principio, mostrando el dolor de una mujer que quiere ser madre pero no puede y su deseo siendo traspasado a esa rama, que ella cuida como si fuera un niño de verdad,  en un punto su deseo se hace realidad de forma enfermiza. El esposo por otra parte también tenía el deseo de convertirse en padre y cuando las cosas de salen de control él no llega a ser capaz de acabar con la situación debido al amor que ya tenía por el supuesto bebé. La niña por otra parte muestra una gran inocencia infantil pero no es tonta ella sabe lo que está pasando e interviene tratando de cambiar el final de la historia original.

Los efectos visuales que se manejan en esta película no pueden ser otra cosa que sorprendentes, el director Jan Svankmajer maneja un stopmotion muy bien cuidado dándole a otik una apariencia completamente surrealista pero también haciéndolo encajar de forma no tan forzada en un mundo completamente realista. Los momentos en que se nos relata la historia de otik atreves de la niña que lee el cuento también están muy bien cuidados logrando que el espectador se adentre e interese más en la historia de aquel ser montuoso.

En conclusión aunque la historia de la película es bizarra y algo difícil de entender en un primer momento es bastante entretenida y cautivadora, con unos personajes bastante bien caracterizados y unos efectos visuales sorprendentes dándole a todo un conjunto de un film bastante entretenido de ver con escenas simplemente cautivadoras.

Valentina Plazas

La cerca : Un Cortometraje Colombiano

Primero pongamonos en contexto. La cerca un corto colombiano dirijido por Ruben Mendoza nos habla sobre Francisco Maldonado, hijo de don Juan Cristo,  quien desde joven sueña con matar a su papa, luego de la muerte de su madre ella deja en su testamento que tienen 1 año para quitar la cerca que divide el terreno que les dejo en menos de 1 año o perderian el terreno.
Bueno aqui en adelante hablare mas afondo de la pelicula recomiendo encarecidamente ver la pelicula antes de continuar leyendo puesto que hay spoilers que podrian arruinar la experiencia de el cortomentraje.
Hay varios factores que hacen de la cerca un gran corto y uno de ellos es la iluminacion la cual un lugar muy importante en este corte y es altamente utilizado para contar su historia. Durante toda la pelicula se utiliza una luz natural sin ningun foco de luz en las escenas al aire libre, por el contrario en la toma donde Francisco mata a su papa a excepcion de aquella en la que sueña que le lanza a su madre, podemos observar una iluminacion muy tenue en la cual podriamos deducir que es otro de sus sueños lo cual se presta mucho al debate en cuanto al final de el corto sobre si Francisco acribilla a su padre o no,  a sabiendas que este ya no puede distinguir entre la realidad y sus sueños, mediante la luz podemos apoyarnos para saber la respuesta de esta incognita.
Este corto sorprende por su interesante guion y por su excelente direccion llegando a tocar temas muy fuertes en Colombia sobre el tema politico y de violencia los  años 40 - 50 en la ciudad y en el campo hasta tratar el como los deseos orinicos de una persona puede hacerle perder el sentido de la realidad llevandolo a no poder distinguir entre si esta borracho o dormido todo por medio de un conflicto padre e hijo.
 Ruben hace un trabajo explendido logrando ganar 3 premios nacionales a mejor cortometraje de ficción y mejor actor para Hernán Méndez, In Vitro Visual y mejor audiovisual festival toma5inco; Y participacion en varios festivales internacionales en Francia, España, China, Brasil, Canada, Ecuador, Inglaterra y Argentina. Solo con su corto la cerca.
En Conclucion recomiendo mucho el corto la cerca puesto que muestra mucho nuestro pasado desde un angulo muy poco explorado en la actualidad.

Autor: Nicolas Torres Echeverry.

VIAJE A LA LUNA: EL INICIO DE UN GRAN VIAJE

uno de los primeros films en ser jamás realizados, viaje a la luna nos muestra la historia de un grupo de pseudo científicos que organiza y lleva a cabo, como el titulo indica, un viaje a la luna.

el film hace un excelente trabajo relatándonos una historia sin sonido, lo cual incluso hoy en día no es fácil de lograr, así mismo, incursiona en una variedad de campos como lo son narrativa, escenografía, efectos especiales y edición.

en esta reseña nos centraremos en las ultimas; y es que en estos tres campos, a pesar de ser pioneros, hacen un trabajo brillante, mezclando cortes con explosiones, así como integrando montajes creados a mano en 2D en escenas que invoulcran perspectiva y actores que interactúan con esta, logrando un sentido visual coherente y estilizado.

Este film, a pesar de ser incluso décadas mas viejo que muchos, logra algo que otros no lograron, y esto es integrar una vibra cartoon con el live action. incluso en la actualidad, con toda nuestra tecnología, resultaría difícil lograr tal armonía entre el 2D y el 3D. esto me lleva reflexionar sobre la magia de los efectos prácticos, que hoy en dia estamos tendiendo a dejar de lado y olvidar, y que creo deberíamos retomar, desde un punto de vista mas moderno, y tal vez orientarlo hacia nuevas ideas.

en conclusion, encuentro este film no solo entretenido; lo encuentro instructivo, un tutorial de como con las técnicas apropiadas y ademas bien ejecutadas, por antiguas que estas puedan llegar a ser, podemos darle nuevos sentidos a nuestras ideas, haciendo que futuros trabajos, si trabajas en este medio claro está, puedan legar a ser arte con un aire un poco más único, cosa que pienso hoy nos hace falta.

VEREDICTO: ILUSTRATIVA, DIVERTIDA Y ÚNICA.

Reseña por: David Arturo Silva Correa.

El hombre de la cámara: Hilo a la realidad

El hombre de la cámara, film sin historia y sin actores dirigido por Dziga Vertov en el que es ayudado por Mikhail Kaufman, su hermano, operador en una fabrica;  plasma la ciudad de San Petersburgo y sus ciudadanos en el año 1929, muestra tomas de la calle, el trabajo, y la vida rural de sus habitantes que denota la fascinación de Vertov a la modernidad, la industrialización de una creciente sociedad, y el futurismo, plasmándolo en sus cortes y mostrando el movimiento desde distintos planos y ángulos de cámara, concepto principal del futurismo, el reflejo de lo que es real, y lo que no podía ser grabado por medio de la fotografía.

El actor principal de este filme es la cámara, y su interacción con el mundo que nos rodea. La semiótica visual que ofrece la película, la cual es la comunicación e interpretación, que el espectador, por medio de imágenes en proyección continua, le hace dar su propio sentido. El valor óptico que la obra produce por ejemplo, con montajes de espacios que suelen ser muy llenos, como salas de orquestas, filmadas con las sillas totalmente vacías y en donde la ejecución de la escena en donde todas ellas bajan y dejan de reclinarse, o las puertas en los lugares de trabajo, llenos de gente saliendo y entrando por las puertas sin parar, logran dar varias ideas a la persona que lo esté observando, y esto logra hacerse, dándole un sentido múltiple a las cosas, dejando que el observador interprete como prefiera las escenas del filme.

Finalmente Dziga Vertov, aparte de la gran cantidad de métaforas que nos brinda en la grabación, quiere darnos a entender que la cámara es como el ojo humano, que por su etimología no solo ve, no solamente observa todo lo que le rodea, sino que también mira, puede poner principal atención y fijar su atención a un solo objeto o persona; y esta, es la relación que a mi parecer, se hace semejante con el ser humano y es la más importante.

En mi opinión este montaje es de ser visto, la edición aunque carezca de audio original, habla por si solo mostrando la realidad y cotidianidad que viven las personas de la época día a día por medio de sus planos cortos y buen uso del movimiento y la estética,  además del lenguaje semiótico que ofrece, los signos, las pequeñas y grandes cosas de la vida, y la historia en que un film nos puede mostrar la realidad.

Autor: Daniel David Ladino Cardoza

Un Viaje a la Luna y la ciencia ficción actual

Elementos como naves espaciales, civilizaciones no humanas y viajes más allá del planeta Tierra no son ajenos a producciones cinematográficas a las que la sociedad moderna está acostumbrada a ver hoy, y aunque es usual que dichos elementos hagan parte de obras que centran sus argumentos en las posibilidades humanas y el futuro, cabe resaltar que no son objetos ajenos al pasado, más específicamente al pasado del cine.

En Un Viaje a la Luna (1902) de Georges Meliés un grupo de astrónomos diseña y construye una cápsula espacial que los llevará a la Luna a su llegada no tardan en hacer contacto con una civilización salvaje e ingenua que los conduce con su rey al que accidentalmente asesinan, logran escapar, caen al mar y son finalmente recibidos con una celebración en la tierra.

Es una secuencia de treinta escenas, sin diálogos y dotada de mucha teatralidad y humor. Vista desde la actualidad puede resultar absurda, hasta risible por la exageración de sus actuaciones, ornamentos y montajes y la aparente torpeza de sus efectos visuales, pero no se debe olvidar que es una película que ganó un papel de suma importancia en la historia del cine por sentar un precedente para la creación de obras de ciencia ficción.

Si bien el género de la ciencia ficción no se restringe al séptimo arte, pues sus precedentes se pueden apreciar en las obras literarias de autores como Julio Verne y George Welles, fue con obras cinematográficas como las creadas por Meliés que el género se materializa visualmente para entrar a ser parte de la cultura popular y el colectivo imaginario.

Ignorando por un momento los aspectos técnicos y la sofisticación de los efectos visuales que las producciones cinematográficas (en particular las de ficción) logran hoy en día, se observa que la mayoría de ellas tienen algo de Un Viaje a la Luna. Se puede decir que referentes actuales de la ciencia ficción como Gravity (Alfonso Cuarón, 2013) e Interestelar (Cristopher Nolan,2014) por ejemplo, son una extensión de la obra de Meliés por cuanto retratan historias de seres humanos que son capaces de explorar más allá de los límites de la Tierra, que son capaces de hacer realidad hazañas que hasta ahora solo pueden existir en la mente humana. Para Meliés y la sociedad de su época lo ficticio era hacer un viaje a la luna, para la civilización del siglo XXI es la posibilidad de viajar a través del espacio-tiempo.

El hombre que hacía el viaje a la Luna en la película de 1902 tenía un aspecto más cercano al de un mago que al de un explorador espacial tal como lo conocemos hoy, pues el hecho de concebir salir de la Tierra en aquella época parecía ser producto de la fantasía y la magia, y aunque los filmes actuales tomen matices más cercanos a la realidad de acuerdo al desarrollo y avances de la sociedad misma, los elementos esenciales perduran, los sueños y la inquietud de lo que puede ser están presentes,  tal vez los viajeros espaciales del cine actual no luzcan como magos, pero ¿que sería de ellos sin la magia de Meliés? 

Por Karen Juliana Espitia

Los hermanos Lumière y el origen del cine

Los hermanos Lumière y el origen del cine

El 13 de Febrero del año 1895, gracias a Auguste Marie Louis Nicolas Lumière y a Louis Jean Lumière, fue presentada la máquina basada en el kinetoscopio de Thomas Alva Edison, pero que le daría origen al séptimo arte, el cinematógrafo.

En el mismo año que presentaron el cinematógrafo, decidieron rodar su primera película llamada "La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir" (Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir). Para su primera proyección realizaron diez películas de 15 a 20 metros, éstas fueron:

• Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir (La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir)
• Riña de niños (Querelle de bébés)
• La fuente de las Tullerías (Le bassin des Tuileries)
• La llegada de un tren (L'arrivée d'un train)
• El regimiento (Le régiment)
• El Herrero (Le maréchal-Ferrant)
• La partida de naipes (Partie d'écarté)
• Destrucción de las malas hierbas (Mauvaises herbes)
• Derribo de un muro (Le mur)
• El mar (La mer)

Estos cortos mostraban situaciones cotidianas como los obreros saliendo de una fábrica, unos bebés peleando, niños jugando en la fuente, el tren llegando a la estación, un herrero trabajando, hombres jugando con naipes, mujeres quemando hierbas, unos hombres derribando un muro, niños jugando y lanzándose al mar, etcétera. No eran historias como tal, no tenían actores, guiones, nada por el estilo, simplemente nos mostraban las diferentes rutinas que tenía la gente, aunque por esta razón muchas personas también se cuestionan si en verdad los hermanos Lumière son los que le dieron el origen al cine.

En una de las proyecciones de los Lumière, a un ilusionista francés llamado Georges Méliès se le ocurriría la idea de fundar la productora Star Film para hacer una película titulada Viaje a la luna (1902) y a partir de esta sería llamado como "el padre del montaje" o "el mago del cine". Se hizo popular por el uso de guiones gráficos, efectos especiales, cámara rápida, entre otros efectos.

Algo que me parece increíble es ver cómo hace 122 años se pudieron inventar una máquina que fuera capaz de proyectar imágenes en movimiento y el rápido avance que se tuvo al expandirse al resto del mundo, al agregarle efectos especiales, al ponerle sonido, o imagen a color.

Georges Méliès tuvo una gran importancia en el mundo del cine, pero al final ¿qué hubiera sido de él sin el invento de los hermanos Lumière?

Stephanie Moore Lagos

Viaje a la Luna, un pequeño paso para el hombre, pero un gran salto para el cine.

En este proyecto cinematográfico dado en el año de 1902 en Francia por los hermanos Georges Melies el cual era el director y Gaston Melies el escritor, se puede apreciar el potencial de estos hermanos que con algo de creatividad y entusiasmo se atrevieron a invertir una gran suma de dinero y tiempo para la creación de el primer rodaje de ciencia ficción en la historia del cine, el cual fue inspirado por dos obras literarias: De la Tierra a la Luna, de Julio Verne, y Los primeros hombres en la Luna, de H. G. Wells.

En esta película se puede apreciar el gran esfuerzo y dedicación de los hermanos Melies, en especial de Georges, quien ademas de ser el director, ayudaba en la creación de la utileria usada en sus películas y también actuaba en ellas pues lo podemos encontrar en el Viaje a la Luna como el profesor Barbenfouillis. De igual manera sus innovadores efectos especiales que se basaban en el uso de perspectiva, maquetas, disfraces y trucos con la cámara para así lograr escenas como la transformación de unos telescopios a unas simples bancas en la cual el camarografo deja de grabar por unos segundos, en los cuales asistentes cambian los elementos mientras los actores hacían lo posible por no moverse. También fue de las primeras películas en ser reproducidas a color con una simple pero extensa técnica que consiste en pintar cada fotograma a mano. Su estudio era un invernadero para que de este modo pudieran recibir la luz del sol desde cualquier angulo.

Desde mi punto de vista es una obra maestra del cine, pues los hermanos Melies lograron demostrar que con gran esfuerzo y creatividad se pueden lograr grandes cosas, ya que para esta época fue una gran innovación con las diferentes técnicas aplicadas que se han mencionado anteriormente y que gracias a ello la industria del cine pudo avanzar mucho mas rápido, dando una vista diferente de lo que era el cine en esa época ya que solo filmaban escenas cotidianas en su mayoría. La recomiendo ver no solo para que observen esta película muda y puedan hallar el gran esfuerzo puesta en ella, si no por cultura general para que así conozcan un poco de la historia de la humanidad en nuestra travesía por este mundo.

Autor: Sebastian Campos Saavedra.

Un viaje a la luna el inicio del cine

Viaje a la luna es de las obras mas importantes del cineasta Georges Melies que era reconocido por sus grandes aportes al séptimo arte con su uzo tan variado de métodos de filmación;El buscaba con el cine poder llevar a las personas a un mundo de fantasia en el cual el publico pudiera cumplir sus sueños aun siendo de los mas imposible.

Esta cinta es considerada como la primera película de ciencia ficción por todos los elementos usados por Georges como lo es un vieja en una nave espacial,explorar el espacio y nuevos efectos agregados al medio.En esta cinta se no adentra a la historia en la cual un grupo de personas idean un viaje a la luna en la cual construyen una nave espacial.

Al aterrizar en la luna;descienden en un ojo de esta y son raptados por los habitantes de la luna.Los tripulantes tendrán que buscar una forma de escapar para poder volver a su hogar sanos y salvos.

Georges en su trayectoria en el cinematografía creo y mostraba mostraba sus obras en su teatro,pero al ver que quería dar a conocer mas el cine vendió su teatro para poder crear el primer estudio cinematográfico de la historia el cual era una casa totalmente llena de vidrios y las diferentes necesidades para crear la película correspondiente;Iniciando con la idea de mostrar completamente la fantasía. 

Camilo mateus

Y ¿Quién es el “papá”?

Podemos fácilmente hablar de los hermanos Lumiere, inventores del
cinematógrafo, creadores de varios “cortos” los cuales eran netamente
documentales como la llegada del tren o la salida de los obreros de la fábrica,
escenas totalmente comunes y corrientes de esa época, sin ningún tipo de “guion”
o planeación, eran simplemente capturas crudas, pero ¿se queda esto, algo corto
? Creadores de esta herramienta, sin ninguna ambición puesto que no le veían
algún tipo de productividad mas allá de algo para entretener, no veían una razón
para avanzar o para poder mejorar su grandioso invento.

Ahora hablemos de otro grande, este es Georges Melie pero ¿y quién es?
posiblemente hayas visto alguna vez su película “el viaje a la luna” o al menos
haber visto una imagen muy famosa de una luna con ojos, y un cohete enterrado
en uno de ellos. Gracias a este personaje todo este asunto del “cine”, de la
creación del cinematógrafo, del poder grabar y poder proyectar cosas del común y
corriente tomo quizá no un giro, pero si un avance muy importante.
Melie conoció el invento de los hermanos y le vio un potencial muy grande, este
tenía un teatro propio en el cual siempre presentaba sus actos de ilusionista y al
ver esto, vio una manera para poder guardar y poder luego proyectar sus actos,
intento hablar con los lumiere para ver una posibilidad de que le vendieran un
cinematógrafo pero como estos no le veía alguna salida más allá del
entretenimiento no lo hicieron.
Georges se puso a la tarea de crear su propio cinematógrafo para este fin, el de
poder archivar y proyectar sus obras en su mismo teatro pero esto solo fue un
comienzo, vendió su teatro, para hacer lo que se conoce como el primer estudio
cinematográfico, una casa hecha totalmente de vidrio con muchísima utilería
(recordemos que este era un gran ilusionista). De esta manera comenzó con la
idea de no documentar situaciones de la cotidianidad, si no historias ficticias
creadas por este mismo.
¡Creaciones de escenarios, utilería, EFECTOS ESPECIALES! Melie es un genio, y
sin quererlo, invento el cine ficción y además de esto, lo que hacía con su equipo
de trabajo, era todo lo que en el presente podemos conocer como un equipo de
producción donde hay directores de artes, guionistas, camarógrafos, editores etc,
y todo esto se puede ver evidenciado en sus películas, se puede apreciar todo el
inmenso trabajo que conllevaba hacer una película de esta persona.

Así que, ¿Quién es el “papa” del cine?

Autor: Andrés Felipe Rojas Gonzalez